Музыкальный Экспресс

Электронной музыке: 130 лет

2olega — Wed, 05 Nov 2008 19:56:27 GMT

Система координат начинается с нуля. Десятичный отсчет начинается с единицы. Две точки зрения, которые противоречиво спорят между собой - когда же начинается следующий век, 2000 или 2001? Не будем выяснять истину. В любом случае - сейчас конец века. И в данном случае я хочу поделиться с вами некоторыми рассуждениями на тему современной электронной музыки, музыки конца нашего века, музыки будущего.

Сталкиваясь с людьми, которые в той или иной степени связаны с современными электрическими машинами (синтезаторами, музыкальными компьютерами и иже с ними:), музыкальным шоу- бизнесом, производством/продюсированием современных урбанистических ритмов, порой печально осознаешь, что люди, которые профессионально занимаются различными формами электронной музыки, к сожалению, не знают не только азов, но и даже современных монстров. Огромный многоликий пласт электронной музыки и по сей день занимает андеграундные позиции и рядом с поп/рок сценой выглядит неприметно, застенчиво, и для большинства образ его расплывчатый и туманный.
На протяжении многих лет (кстати, еще задолго до появления и рок- и поп- музыки) человечество волновали ЗВУК в его первозданном естестве и МЕТОДЫ звукоизвлечения. Звукоизвлечение всегда преследовало две цели: способ проявления собственного мироощущения и эксперимент.

Электронная музыка обязана своему появлению на свет обоим этим составляющим. Эксперименты со звуком, а вернее со звуковыми колебаниями, были по своей сути более близки к науке, чем к музыке. Но именно эта экспериментально-научная работа была началом.
Если посмотреть на развитие технологического прогресса, то невольно понимаешь, что за каких-то 30 лет планета Земля будто стала вращаться в несколько десятков раз быстрее. Технические революции и общие достижения в технологиях еще никогда не развивались такими стремительными темпами, какими они стали в конце этого века.
Мир электронной музыки, как и музыки в целом, постоянно находится в движении. Трансформации его видоизменений напрямую связаны с техническим прогрессом.

Не будем вдаваться в подробности и детальное описание исторических событий, а просто давайте вспомним хронологию развития этих событий. И, по всей видимости, историю электронной музыки можно воспринимать как некую само собой разумеющуюся параллель развития соответственных электромузыкальных инструментов, приборов и приспособлений.
Исходя из этого, можно смело утверждать, что электронной музыке в 2000 году исполняется 130 лет! А прародителем сегодняшних электрических ритмов можно назвать немецкого физика, математика Hermann Ludwig Ferdinand von Helmholtz (1821-1894). В 1860 году он опубликовал работу "SENSATIONS OF TONE: Psychological Basis for Theory of Music" - практические выводы и анализ собственных изысканий в области электромагнитных вибраций металла и стекла. Сконструированный им электрически управляемый прибор получил название "Helmholtz Resonator".
Продолжая тему развития и становления электроакустических экспериментов человечества еще немного истории, вернее, некоторые поступательные движения во времени и упоминание о самых значительных изобретениях в области электричества и звука.

Итак, краткое перечисление наиболее значимых изобретений человечества за последние 130 лет, которые в той или иной мере способствовали и влияли на развитие электронной музыки на нашей планете.

1870 - первые электронные инструменты, использующие различную технику генерации звука Telharmonium и Chorelcello (+William Duddell и Elisha Grey, США).

1876 - электромагнитный прибор с двумя октавами рояльной клавиатуры и встроенным громкоговорителем "Musical Telegraph" американского ученого Elisha Gray.

1897 - первый полноценный полифонический электронный многооктавный инструмент "Dynamophone/Telharmonium", огромная конструкция, использующая 145 модифицированных динамо-машин. В дальнейшем упрощенный вариант этих разработок был использован в известном органе Hammond. (Thaddeus Cahill, США).

1888/1908 - электронный/электроакустический инструмент Choralcello Electric Organ, практически модифицированный измененный вариант проекта Telharmonium (Melvin Severy и его брат George B. Sinclair. США).

1899 - невероятные эксперименты с уличными газовыми фонарями, послужившие созданию "Singing Arc", прибор, управляющий изменением напряжения амплитудной и частотной характеристиками звука (William Du Bois Duddell, Франция).

1913/1922/1931 - Intonorumori, Rumorarmonio и Enharmonic Piano. Создания итальянского художника футуриста и музыканта Luigi Russolo (совместно с Marinetti и Piatti), чьи технические и музыкальные творения продолжают влиять на многих композиторов и сегодня. Среди откровенных <плагиаторов> его творчества можно назвать Пьера Шафера (Pierre Schaefer), Джона Кейджа (John Cage) и Эдгара Варезе (Edgar Varese).

1915 - первый электромузыкальный инструмент на вакуумных лампах Audion Piano, работающий по принципу гетеродин-частотной модуляции (Lee De Forest, Франция).

1916 - первый электронно-оптический инструмент Optophonic Piano, использующий технику закрашенных стеклянных дисков, зеркал, линз и фильтров (художник футурист, музыкант Дмитрий Баранов-Рощин, Украина/Россия/Франция)

1917/1932 Rhythmicon, Terpistone, ThereminCello, Theremin (еще имел название Aetherophone). Фантастические изобретения русского ученого Льва Сергеевича Термена, основанные на принципе гетеродин-частотной модуляции.

1921/1930 - Electrophon, Spheraphon, Partiturophon и Kaleidophon (немецкий музыкант, специализирующийся на микротональнорй музыке Joerg Mager).

1926 - ламповый полифонический электромузыкальный инструмент Pianorad (модифицированный Staccatone), который используется и сегодня(!) (Clyde Finch, Лаборатория Radio News, США).

1930 - первая электронная ритм-машина, созданная с применением разработок Льва Термена Rhythmicon или Polyrhythmophone.

1930 - монофонический ламповый электронный инструмент с удлиненной клавиатурой, мог <говорить> подобие слов <мама> и <папа>. (Николай Ананьев, Россия).

1931/1936 - Radio Organ of a Trillion Tones, использовал технику вращения фото-электрических дисков и лучей света. В дальнейшем этот принцип получил название Polytone (A.Lesti и F. Sammis, США).

1932 - прибор, использовавший метод оптического синтеза Variophone, (Евгений Шолпо, Россия)

1932 - ламповый инструмент Emiriton, созданный на основе Терменвокса (А.Иванов и А. Римский-Корсаков, Россия).

1935 - легендарный орган Hammond. Уменьшенная и модифицированная конструкция аппарата Telharmonium (Laurens Hammond, США).

1939/1940 - первые приборы анализа и репроекции (ресинтеза) звука Speech Synthesisers, The Vocoder и Voder (физик Homer Dudley, Bell Laboratories США).

Далее были Миланская Студия Электронной Музыки Лючано Берио (Luciano Berio), Московская Студия Электронной Музыки Евгения Мурзина, его именитый АНС; Роберт Муг (Robert Moog) и могучие Synclavier и Fairlight и так далее.

В конце 60-ых электромузыкальные инструменты, пожалуй, впервые становятся достоянием масс, другими словами, разработки из мира академической и экспериментальной музыки из авангардных выставочных залов и научно-исследовательских лабораторий звука малыми порциями начали просачиваться на сцену массовой музыкальной культуры. Среди первенцев, кто впервые использовал нетривиальные композиционные и технологические подходы электроакустических экспериментов в своем творчестве были многочисленные представители психоделических направлений и (внимание!) даже Beatles (White Album), Elton John (Elton John 1970). Сложно сказать почему именно <немузыкальная музыкальность> нашла применение в это время а не раньше; почему именно во времена <детей цветов> а не в эпоху джазового рассвета 50-ых: Об этом мы можем лишь гадать или же просто поговорить на эти темы с еще живыми звездами тех лет.

Если посмотреть на эту ситуацию с другой стороны, то можно сделать вывод, что психоделические музыкальные формы как раз и подразумевали уход от стандартных традиций и музыка многих проектов тоже была экспериментальной. Армия <электрического авангарда> стала расти на всей планете. Музыканты, начавшие применять элементы экспериментализма, работали в различных областях современной музыки. Это были рок коллективы и коммерческие вокально-инструментальные ансамбли, неудачники-одиночки и настоящие монстры как Филип Гласс (Philip Glass), Терри Райли (Terry Riley), Герберт Эмерт (Herbert Eimert). Тем не менее, как и академическая электроника, так и новоявленные революционеры в более коммерческих слоях музыкальной культуры не были и не стали широко известными и популярными.

Положение немного изменилось после появления на свет нескольких проектов стопроцентно электронных коллективов и отдельных исполнителей, которые посредством более доступных музыкальных форм как бы приблизили электронику к массовому слушателю. Хотя, в отличие от программной (популярной и легко усваиваемой музыки) спонтанные, абстрактные, глубокомысленные, философствующие и импровизационные формы музыкального искусства никогда не были, и, пожалуй, не станут модными и очень популярными. Некая элитарность и ярлык <не для всех> был у этой музыки и ее многочисленных проявлений почти всегда.

Я сам хорошо помню свое первое знакомство с этой <музыкой не для всех>. Далекий 1976 или 75 год (уже точно не помню). Первый альбом <не такой> музыки у меня был Timewind Клауса Шульце. Конечно же, я и понятия не имел что из себя представляет синтезатор и как на нем можно играть. Это казалось абсолютно ирреальным и фантастическим. С другой стороны, то, что я слышал настолько отличалось от всего остального, что я даже не могу привести никаких сравнений.

Волны минимализма, спонтанной, авангардной, электроакустической и экспериментальной музыки не смогли вырасти до размеров цунами, не смогли сделать вторую культурную революцию и изменить вкусы потребителя почти в противоположную сторону. В популяризации современной электронной музыки большую роль сыграла Германия, непосредственно появление так называемой Берлинской Электронной Школы, или как ее называют в последнее время Традиционной Секвенсорной Музыки.

Нужно заметить, что 70-ые были плацдармом психоделических настроений в общемузыкальной культуре в целом. И появившиеся электронные проекты тоже не стали исключением. Иллюзорные, футуристические миры в равной степени проповедовали, как и арт-роковые коллективы, так и электронные исполнители. И песни, и безвокальные произведения воспринимались как повествование, как рассказ, как настроенческие картины полные содержания, мысли и фантазии, которые рисовали нам иные миры, иные реальности и представления. Глобальный планетарный мистицизм и философствования на темы личности и общества звучали в рок-операх и объемных электронных полотнах. Это было время, когда мир и люди были сложными, мыслящими фантазерами и безнадежными романтиками:

Электронная музыка постепенно перестала быть диковинкой и все больше и больше внедрялась в существующие привычные музыкальные формы. Ответвления и образующиеся производные от электроники стали воплощаться в более доступные для восприятия ритмы и гармонии: появлялись электро-поп проекты (Kraftwerk, Telex, Alphaville, Rockets:) и музыканты, которые стали эксплуатировать электронное оборудование в более простых и мягких формах (в большинстве случаев) - New Age и Space Music.

При всем кажущемся расцвете электронной (да и просто <умной>) музыки, казалось, что все только начинается, что эти первые ростки должны неизбежно развиваться и вырасти в могучее дерево. Увы. Чуда не произошло. В середине 70-ых музыкальная сцена резко отклоняется в сторону легкого красивого <диско>, что, по всей видимости, повлияло и на многие серьезные жанры. Возможно, происходили и еще какие-то малообъяснимые вещи, которые в скором времени вызвали эффект некоего упрощения и ослабления занимаемых позиций многих интересных <странствующих рыцарей расширенного сознания>. Слушая и сравнивая работы многочисленных рок-коллективов, проектов и отдельных исполнителей-электронщиков, невольно приходишь к выводу, что 77/78 годы стали краеугольным камнем в музыкальной истории 20 века. Даже популярные и суперизвестные составы как Queen, Ten CC, UFO, Manfred Man's Earth Band, Golden Earring, Rush, во общем многие, преодолев этот рубеж, пошли, как говорят, немного в другую сторону.

Мнения британских и американских музыковедов поддерживают точку зрения о глобальном изменении законов и требований шоу- бизнеса в этот период, чем и объясняется это фактурно-интеллектуальное смещение песенно-музицирующих представителей во всех областях <умных жанров>. За редким исключением, с этого момента, пожалуй, и начинается заметное облегчение смыслового и музыкального наполнения произведений. Тотальный спад глубинного давления в электронике начинается с опозданием всего лишь на пару лет.

Не нужно быть сверхзнатоком, чтобы не увидеть медленно уверенно развивающийся спад <настоящих миражей> того же Клауса Шульце или Tangerine Dream в начале 80-ых. То ли музыканты (включая и электронщиков) стали больше задумываться о финансовых прибылях, то ли в музыкальной среде возникло массовое желание бороться за каждого нового слушателя, которое воплощалось путем приближения музыки к этому самому слушателю:я не знаю точно, что же происходило на самом деле с этим многослойным музыкальным пирогом в то время. Но одно лишь можно утверждать однозначно - мир менялся.

Я не зря привожу пример именно на этих берлинских космических курьерах. Поскольку именно эти фигуры играли роль первой скрипки в электрической вселенной. Не будем детально ворошить все составляющие этих перемен. Давайте посмотрим на вещи немного проще. У ранних работ этих электрических динозавров в настоящее время есть миллионы поклонников и тысячи подражателей и продолжателей. Тот же Клаус Шульце по сей день получает одни и те же вопросы - будут ли еще <миражи> и <хрустальные озера>, почему сегодня новый альбом маэстро не имеет абсолютно ничего общего с теми фантастическими коллажами и узорами, с теми ирреальными мирами, которые ОН рисовал в нашем воображении, с теми магически пульсирующими секвенсорными волнами, благодаря которым, собственно, он и стал <Шульцем>?..
Почему сегодня лично меня никак не волнует и не интересует ни последний, ни предпоследний альбом Tangerine Dream? Куда исчезла космическая суровая лирика аморфных самовыражений, экспериментальный дух той музыки, которую сегодня называют электронной классикой? Ведь <классики> живы!..

Vangelis утратил необузданный дух эксперименталиста, приближаясь к симфо-классическим структурам.
Klaus Schulze никак иначе поддался полному влиянию современных дискотечных колотушек и готов выпускать новые диски хоть каждый месяц.
Tangerine Dream превратился в полусемейный ансамбль электронных инструментов и выпускает качественный электронный поп.
Что дальше?

Долгое время я считал, что это Я чего-то не понимаю, что это Я в чем-то не прав в своих суждениях. Но многочисленные контакты и рассуждения на эти темы с коллегами из различных стран мира практически показали единство мнений по этому вопросу.

Со временем изменилась роль искусства в нашей жизни. А может быть изменилось само искусство? Рок музыканты больше не являются в роли неких проповедников, а электронщики перестали быть космическими посланниками космоса? Очевидно, да.

Техника тоже внесла свою <лепту> в этот <культурный переворот>. Отдельную позицию в этом занимают компьютеры.

Тысячи музыкантов сегодня могут воспроизвести <фирменное> звучание любого из знаменитых органистов или барабанщиков -стоит лишь набрать нужный код. Поп-музыка перевернута вверх дном. Вполне вероятно, что на понравившейся вам пластинке звучит отнюдь не фортепиано, хотя вам кажется, что это фортепиано, а восторженные восклицания следует адресовать не барабанщику, а программисту. Он же скорее всего сделал и восхитившее вас гитарное соло: компьютерный оператор с начальным музыкальным образованием, имея соответствующую аппаратуру, вполне способен сделать хитовую пластинку - и многие делают. Приготовьтесь к шоку (если вы этого не знали): значительная часть мелодий из нынешних хит-парадов создана программистами. Способность синтезаторов копировать звучание инструментов и даже человеческого голоса сделала их необходимым атрибутом почти всех звукозаписывающих студий. Ведь любой звук - это всего лишь крупица информации, а <заряженный> информацией компьютер может сделать что угодно.

<Влияние технологии ощутили почти все,- говорит президент Американской федерации музыкантов.- Например, музыка к одному из недавних голливудских фильмов была целиком сочинена и исполнена компьютером. Все же будем надеяться, что это лишь причуда, которая не получит широкого распространения>.

Сотни, тысячи, а может уже и миллионы доморощенных компьютерных композиторов-<мозаичников> насытили всемирную сеть интернета своими зачастую низкопробнейшими домашними поделками, начиная классической заканчивая урбанистической электроникой. Примитивные и супермощные музыкальные компьютерные программы позволяют сегодня любому мало-мальски владеющему соответствующими навыками почувствовать себя творцом.

Как я уже неоднократно писал (и не только я), электронная музыка в сочетании с компьютерными возможностями уже сегодня превращается в завуалированного потенциально опасного героя нашего времени. <Мозаичная> музыка, собранная в недрах могучей машины на жестком диске при помощи специальных музыкальных программ вполне может быть конкурентоспособной на сегодняшнем рынке. И это уже не фантастика, а реалии.

В конце века кардинально изменились не только вкусы, но как и в искусстве в целом, трансформировалась изначальная идеология творчества. На смену содержанию приходит форма. Сегодня вы редко услышите чтобы люди обсуждали какие-то прочитанные книги. Духовный мир человека конца 20 века как-то сузился, сжался а в отдельных случаях вообще перестал существовать. Слыша, видя и читая всевозможную рекламу обновленной России, создается впечатление, что сегодняшнему homo sapiens нужно только веселиться, все время что-то покупать, отдыхать, выигрывать: Неужели человек больше ни о чем не думает? Перестал мыслить и развиваться?

"Искажение временной реальности может стать способом придания ей ещё большей ритмической выразительности и экспрессии" - слова Андрея Тарковского из его работы "Высекание времени" (1986) являются одним из ключей к пониманию коктейля органической электроники и интеллектуальной мощи мятежа "неразумных" машин в звучании многих работ конца нашего века. Эмоционально мутирующий музыкальный мир на пороге третьего тысячелетия достиг немыслимых форм и размеров. Развитие высоких технологий в чем-то помогает субстанции под названием <музыка>, но не будет неправдой сказать, что эти технологии очень сильно повлияли и нас самих, и на музыку в том числе:

Но искренне хочется верить, что несмотря на все это, человек все таки останется безупречным мечтателем и фантазером, превосходящим все мыслимые представления и все классифицированные пределы в музыке, существуя вне времени, вне пространства в роли творца, озаренного музыкой будущего.

Enigma - это я / Майкл Крету (интервью)

2olega — Wed, 05 Nov 2008 19:53:52 GMT

Невозможно сказать, что музыкальный мир не претерпел огромных изменнений за последнее десятилетие. Возникли новые стили (добро пожаловать, британский поп!), группы не вечны (кто-нибудь помнит Guns-n-Roses?), и мы проснулись в новом тысячелетии под звуки электронной музыки. К счастью, в то же самое время, некоторые музыкальные концепции выжили, давая нам ощущение стабильности. Например, Мадонна, Майкл Джексон, Enigma. В начале 90-x Майкл Крету, к тому времени музыкант, продюсер и муж звезды 80-x Сандры, был охвачен очаровательной идеей: обернуть электронное звучание спиритической аурой церковных песнопений. Он назвал свой патент "Enigma". Мир покупал эту идею и его альбомы, и бренд "Enigma" выпустил 4 альбома, использовавших магическую формулу.

Сегодня этот поразительный успех празднует десятилетие с момента основания двумя сборниками: один включает лучшие хиты и один новый сингл, второй, содержащая только ремиксы, преподносит множество клубных версий, с которыми все уже хорошо знакомы. В честь этого события, румынский музыкант Майкл Крету выделил время чтобы поприветствовать страну, в которой ему оказывают большие почести. Несмотря на тот факт, что он ненавидит интервью.

Он говорит: "Я должен признать, что я действительно страдаю от этого. Я делаю рекламу, и для зубной пасты тоже существует реклама. Это ужасно, поэтому я стараюсь этого избегать. Когда была основана Enigma, я был в растерянности перед фактом, что я столкнулся с этим. Я попросил звукозаписывающие компании сделать мне одолжение: никакой рекламы. Они согласились и дали шанс самой музыке." -В подобных тактиках огромный риск. -Мне нравится этот риск. Индийский философ однажды сказал, что если у вас есть цель, выбирайте трудный путь к ней, иначе она не будет для вас вызовом. Вы будете просто делать себе простую жизнь.

Майкл Крету (44) родился в Бухаресте, Румыния, особо не отличившемся множеством известных музыкантов. Он смеется: "Вероятно, я один из немногих и когда вы посмотрите на условия, в которых я вырос, в это еще труднее поверить. Мой отец - инженер. Моя мать, умершая 2 года назад, была экономистом. Ничего не было связано с музыкой. До тех пор пока люди не стали говорить моим родителям, что я талантлив. Я начал играть классическую музыку в возрасте 5 лет."

Но Крету быстро оставил классику ради поп-музыки. Благодаря этому он встретил свою жену, певицу Сандру, с которой он начал работать, когда ей было 18 лет. Сегодня семья Крету, вместе с двумя 6-летними билзнецами, живет на "острове тусовок" Ибиза. "Эти тусовки - лишь малая часть острова", - говорит он. "Я не имею к этому никакого отношения. Это маленький остров, вам не нужно много ездить, чтобы попасть из одного места в другое. Кроме того, здесь замечательная погода."

-Как ваши мальчики справляются с двумя родителями-музыкантами?
-Они привыкли к этому. Они знают, что я фанатик, но не похоже на то, чтобы они не видели меня долго. У меня студия дома, так что я доступен всем. Они видят мою жену и меня все время. Дети знают, что делают мама и папа, но мы не оказываем на них давление, чтобы они тоже занимались музыкой. Я не буду возражать если они станут садовниками. Это правда, что у них дома есть хороший пример, но способности более важны, чем пример.

-Если уж мы заговорили о семье - я слышал Сандра планирует вернуться [в музыку - прим. перев.]?
-Это так. Моя жена выпустила свой первый сингл за последние 7 лет и он пользуется успехом в Европе. Скоро выйдет полный альбом. Но при всем уважении к возвращению своей жены, Крету предпочитает говорить о своем детище. Когда его спрашивают, откуда он взял идею объединения религиозных песнопений и римтов поп-музыки, он говорит: "Не имею понятия, как это произошло. Много вещей происходит в моих мыслях и, вероятно, некоторые из них образовали комбинацию и создали это. Никто не сидит и не анализирует, что происходит в его голове. Либо из нее что-то выходит, либо нет."

-Фактически, вы изобрели новый стиль в музыке. Вы должны гордиться этим.
-Очень горжусь. Всю свою жизнь я имею дело с музыкой, я - фанат музыки, и каждый музыкант мечтает изобрести что-нибудь. После возникновения Enigma появилось много подражаний. Иногда это немного докучает, но в итоге это показывает, что я действительно придумал нечто новое. Все думают, что я помешан на этом, но мне это скорее льстит.

-Когда вы создали Enigma, вы знали что этот проект мог бы прожить так долго?
-Да. Я помню, как сказал своей жене, что если это сработало один раз, то это будет работать и через 10 лет.
-Вы полны самоуверенности.
-Без самоуверенности вы ничего не достигнете. Я вспоминаю, как думал, что есть две возможности: либо то что я делаю, будет жутким провалом, либо это будет величайший хит. Я знал, что это может провалиться, но я не позволял этой мысли действовать на меня ни минуты, потому что я любил то, что я делал и это главное.

-Эти два сборника символизируют для вас конец еры и начало новой эры Enigma?
-Это должно быть концом чего-то и началом чего-то другого. Две фазы, через которые надо пройти. Сборник выглядит как некий итог, и после этого мы посмотрим, что произойдет. Я еще не знаю, что произойдет, но я уверен, что Enigma будет существовать и дальше.

-Вообще, почему выпустили сборник, а не что-то новое?
-Что-то внутри меня сказало мне поступить так. Это просто мое собственное решение. Это никак не связано с маркетинговыми соображениями и PR. Очевидно, что для звукозаписывающих компаний это прекрасно, но прежде всего я делаю музыку и я не имею ничего против больших продаж.
-Это заявление, которое делают многие музыканты и оно всегда звучит подозрительно.
-Вероятно это так, но вы не должны забывать что для прохождения этого испытания вы должны быть молодцом. Если вы делаете плохую музыку, вас не будут покупать миллионами.
-Я снова должен сказать, что вы не показываете ни тени скромности.
-(Смеется) Меня никогда еще не обвиняли в чрезмерной скромности.

-Вы назвали сборник "Love, Sensuality, Devotion" [Любовь, Чувственность, Преданность - прим. перев]. Эти элементы все время сопровождают вашу музыку. Вопрос: по прежнему ли они значимы сегодня, когда похоже, что весь мир приходит в себя после чего-то.
Это основные элементы, которые позволяют нам выживать как человеку. Музыка, объединенная с этими элементами, для меня почти путешествие. Заметьте, что первые буквы этих элементов образуют комбинацию "ЛСД". Эти элементы всегда сопровождают нас, и сегодня они гораздо более важны чем когда либо.

-Вы говорите о "путешествии". Эта музыка помогает вам бежать от мира?
-Enigma - нечто за пределами обычного мира. Что-то совершенно другое. Но что касается меня, я живу достаточно обычной жизнью.

Электрические ландшафты

2olega — Wed, 05 Nov 2008 19:52:02 GMT

Во все времена музыкальная культура являлась своеобразным зеркалом настроений и состояний человечества. Современные формы того, что мы называем "музыкой", иногда выглядят даже устрашающе опасными для человеческой души, по крайней мере, некоторые из них.

Сегодня нас атакует разросшаяся до немыслимых размеров поп культура , металлические какофонии и ставшие всенародным достоянием исконно негритянские ритмы рэпа. А в течение нескольких последних лет на человечество обрушилось последнее "околомузыкальное " изобретение (имеющее к сожалению электрические корни) - рэйв культура, которую, впрочем, с большим трудом можно отнести к понятию "музыка" , которую человек в состоянии воспринимать нормально... Вспоминая классическую фразу - если это есть , значит это кому-нибудь нужно, - не возникает желания спорить о праве на существование того или иного жанра.

Все эти стили благополучно существуют по правилам и законам шоу бизнеса , и менее всего заботятся о духовности и воспитании души.

Я не собираюсь читать вам проповеди о духовном воспитании молодежи и т.п. Просто, как показала практика, многие люди даже не подозревают о существовании громадного музыкального пласта, который называется Электронная Музыка.

К счастью, в последние годы занавес неизвестности над этим термином немного приподнят, но это совсем не значит, что зайдя в любой музыкальный магазин вы увидите на прилавках сотни альбомов из мира электроники. Столь же тщетными будут ваши попытки прочесть что-либо вразумительное об этом в отечественных музыкальных журналах.

При обильном потоке аудио-видео информации, которая поступает к нам ежедневно, вполне может сложится мнение, что никакой другой музыки, кроме той, которую показывают и о которой пишут, больше и не существует. Но это совсем не значит, что люди не нуждаются в иной музыке, в иных настроениях и впечатлениях.

На самом деле, электронная музыка в ее многоликом разнообразии существует уже десятки лет. И самое парадоксальное - революционными изобретениями в области электронных инструментов и синтезаторов мир обязан именно России: Лев Термен ("Терменвокс" начало 20-ых годов), Евгений Мурзин (синтезатор "АНС" начало 60-ых).

Усыпанное звездами ночное небо всегда привлекало человеческие умы. С появлением электронной музыки тема Космоса стала чуть ли ни доминирующей.

Сегодня было бы трудно найти человека, который бы не слышал этого словосочетания "электронная музыка". Но, к сожалению, под этими словами многие подразумевают многое. Сухие, математически выверенные композиции экспериментальной и электроакустической музыки, монотонно-бубнящие ритмы текно, продолжение традиций электронного рока и сиквенсорной музыки 70-ых, наэлектролизованные проявления поп культуры - ко всему этому сегодня к месту и не к месту применяют именно эти два слова,--электронная музыка.

В нашей стране, пожалуй, никто и никогда серьезно не уделял большого внимания этому музыкальному направлению ни в СССР, ни в демократической России.

До недавних пор в нашей стране с понятием "Электронная Музыка" ассоциировалось 5-10 суперизвестных имен как Эдуард Артемьев, VANGELIS,SPACE, JEAN MICHEL JARRE, KITARO, ISAO TOMITA, TANGERINE DREAM, KLAUS SCHULZE, и так далее.

Если говорить об обратных аспектах рождения "новой звезды" , то до недавних пор и в бывшем СССР, и на Западе отношение к этому жанру было далеко не однозначным. Многие музыканты и критики не признавали и не верили в "музыку машин", многие оспаривали даже применение слова "музыка" к этим произведениям. И по сей день для неосведомленного человека вполне нормальная ситуация, если он никогда в жизни не видел и не слышал ничего об электронной музыке.

Сегодня стилистические и концептуальные различия легкого слащавого NEW AGE, пасмурные " шульцевские" коллажи, роботизированные ритмы KRAFTWERK, а в последние годы и многочисленные ответвления Techno и Rave культуры, стремительно быстро , дерзко и смело проникают друг в друга, порождая новые формы и целые музыкальные галактики, в которых и происходит таинство слияния и взаимопроникновения стилей и жанров. И не редко практически невозможно квалифицировать то или иное произведение, каким-то одним словом обозначить его жанр.

Искусственный электрический мир расширяет границы своих возможностей практически все время. Но, в какой-то степени, глядя на все это несколько абстрагировано, как бы с глобальной стороны, можно сказать, что в этой области уже все было сделано и сказано лет так 20 назад и большинство современных работ это ни что иное, как поиски новых вариаций, интерпретаций и завуалированного повторения старого на этом благодатном поле синтетических миражей. Появляются новые ритмы, тембры и настроения, но по сути, ничего революционного уже, к сожалению, не происходит. Более того , многие достойные коллективы прошлого все чаще и чаще прибегают к изменению своей творческой направленности с оглядкой на правила и законы шоу бизнеса.

И несмотря на совершенствование клавишно-компьютерной техники и трансформации идей современных электрических производных, музыка все чаще становится какой-то слишком отшлифованной, слишком пресной.

В 90-ых царит своеобразный застой идей, идей, которые появились в далеких 70-ых и , казалось бы , неминуемо должны были развиваться и рождать новое и новое...но, порой кажется, что этот процесс остановился на том самом месте, где и был много лет назад... и похоже, что эти прекрасные музыкальные горизонты все больше и больше покрываются непроницаемым туманом коммерческой поп-культуры и домашними пародиями на музыку SCHULZE и JARRE...

Электронная музыка в состоянии передать самые потаенные и сокровенные человеческие мечты и душевные переживания. С другой стороны , это целый удивительный фантастический мир, в котором вашим проводником является ваша фантазия и представления. И если ваша душа приемлет этот бесконечно многогранный электронный мир, если вы нашли ту самую дверь в своем сознании и переступили порог, оказавшись среди теней и призраков ирреальных измерений, если вы не прочь окунуться в море калейдоскопических осколков реальности и вымысла, фантазии и мечты; если вы не прочь пройтись по сумеречным аллеям памяти, по лабиринтам и запутанным тропинкам полузабытых, полу стертых снов и видений - добро пожаловать в Электрическую Вселенную, добро пожаловать в мир иных реальностей.

Популярная электронная музыка

2olega — Wed, 05 Nov 2008 19:49:17 GMT

Речь пойдет именно о той музыке, которая до недавних пор только и называлась электронной психоделической музыкой.

В последнее время, кстати, в электронной жизни планеты появилась определенная путаница в отношении термина "электронный". И в зарубежной печати, в частности в специализированных Электрических журналах, к понятию Электронная Музыка стали причислять и многих артистов рэйв-культуры, и музыкантов ELECTRONIC BODY MUSIC, и, как однажды мне удалось увидеть, даже Earache.

Безусловно, все эти ярлыки достаточно условны, но, тем не менее, например, впервые общаясь с каким-нибудь зарубежным представителем компании грамзаписи непременно возникает вопрос: а какой именно электронной музыкой вы занимаетесь? И заметьте, ответ тоже не может быть достаточно ясным. И чтобы как-то более менее точно понять о какой электронике идет речь обычно приводят сравнения: наши музыканты работают в традициях того-то или того-то. Вот такие происходят невеселые вещи в современной электронике.

Возможно для любителей современного трип-хопа или приверженцев наэлектролизованных конструкций а-ля ДЭПЕШ МОД другой электроники и не существует вовсе, но поверьте мне, это далеко не так. И дело вовсе не только в использовании синтезаторов и компьютерно-клавишной техники. Потому что какая-нибудь Глаша Булкина выхаживает по сцене под музыку, которая была сделана исключительно на компьютере. И с другой стороны, если вы купили крутой компьютер и все необходимые аксессуары, позволяющие создавать довольно качественные звуки, и при этом вы когда закончили музыкальную школу по классу фортепиано, это совсем не значит что завтра или через месяц вы станете вторым Клаусом Шульце.

Увы, дорогие мои, все это далеко не просто.

Вспомните далекие 70-е - золотую эру электронной психоделии. Возможно для кого-то это покажется старомодным и не интересным, но именно тогда и зародилась та ветвь музыкальной культуры которая живет и здравствует поныне, которая полноправно называется Электронной Музыкой, а всем другим формам , ответвлениям и трансформированным производным мне кажется нужно было придумать иные названия. В настоящем, да и в прошлом, и поклонники, и профессионалы в отношении Электронной Музыки использовали и продолжают использовать еще один расхожий термин - Космическая Музыка.

История современной космической музыки берет свое начало в конце 60-ых. Нет каких-то четких определений и конкретных признаков, которые позволяли бы четко определить это музыкальное направление и, впрочем, как и многое в электронике, все достаточно условно. Так что если бы, например, эту музыку более распространенно называли, например, подводной, то, очевидно, ее бы таким термином и называли впредь. Но Космос представляется более загадочной, фантастичной и неизведанной областью для человечества, чем тот же подводный мир. Плюс ко всему сама идейная направленность электронного начала была непосредственно связана с космическими понятиями.

Вспомните тот же TD или KS, которые выступали в роли космических посланцев, которые несли некое послание всему человечеству. К сожалению, в настоящее время эти идеи менее проповедуются электронными музыкантами и чаще произведения, которые попадают в эту категорию, уже лишены той шероховатой аморфной первозданности и привуалируют более прилизанные слащавые формы, которые с таким же успехом смело можно было бы отнести, скажем, к музыке NEW AGE.

Таким образом, довольно часто приходится встречать абсолютно " сладкую" и не интересную музыку, и в то же время, ДЕЙСТВИТЕЛЬНО сильные серьезные вещи, которые относятся к одному и тому же направлению современной электроники, к разделу космической музыки. И как-то так уж повелось, что более сильными и интересными считаются таинственные минорные мрачноватые произведения, которые далеки от жизнерадостных веселых настроений.

Также еще одна немаловажная деталь, которая имеет место быть: если, например слащавые мелодии NEW AGE или NEW INSTRUMENTAL MUSIC, понятны и доступны почти любому человеку, то для неподготовленного слушателя зачастую серьезная космическая музыка, как впрочем, и большая часть электронной музыки в целом, может восприниматься как набор бессвязных звуков, шумов музыкальных фраз и движений. А секрет очень прост, это или ваше, или нет. То есть эта дверь для вас открывается, либо она остается закрытой для вас навсегда. Но берегитесь, если вы попадаете в этот ирреальный мир призрачных видений и миражей, то вы попадаете в него навсегда. Это подобно болезни или наркотику. С той лишь разницей, что вас не ожидает летальный исход. Правда примите к сведению, что этот призрачный мир влияет непосредственно на наш реальный мир, на вашу жизнь, взгляды, суждения и образ жизни. Не могу сказать: хорошо это или плохо, просто это действительно имеет место быть.

Теперь немного фактов из истории становления Электронной (и, отчасти, Космической) музыки, той электроники, которая с конца 60-х громко заявила о себе миру.

Мечты о снах и фруктах

"Многие люди думают, что мы - техники и любим технологию. Мы не техники. Мы опираемся на то, что имеем, а это - классическая музыка и развивающаяся технология. Мы ничего не сделали, кроме соединения новой технологии с корнями классической музыки".
Edgar Froese

Динозавры немецкой электроники, TANGERINE DREAM. Основатель группы EDGAR FROESE. Родился в Восточной Пруссии в 44 году. Учился в Берлинской Академии живописи и скульптуры и свою первую группу THE ONES создал еще в 1965-м. Творчество этого коллектива никакого отношения к электронике не имело, они играли традиционный рок энд ролл с элементами музыки соул.
Но конец 60-ых был своеобразным плацдармом психоделии, и как и многие другие ФРЕЗЕ начинает экспериментировать с электроникой.

"Помимо экспериментов, в те далекие времена, - вспоминает Фрезе, - у меня было желание раскрыть мир и самого человека совершенно с новой стороны, мне хотелось раскрыть безбрежный океан чувств и фантазий личности, которые не в состоянии выразить никакой рок, джаз, блюз."

В конце 60-ых на мировую сцену взошла Ее Величество "ПСИХОДЕЛИЯ" и музыкальные образы Фрезе проросли на тех благодатных полях фантастических феерий мысли и звука. Эксперименты Карлхайнца Штокхаузэна, Терри Риллей и Стива Райка а также ирреальные миры Сюрреалиста Сальвадора Дали были отправной точкой в поисках новых музыкальных форм и самовыражения.

Tangerine Dream принадлежат к послевоенному поколению, которое в какой-то степени противостояло засилию американской психоделии, обширно распространившейся в Европе. Новаторские изыскания некоторых европейских проектов того времени золотыми буквами вписаны в историю развития современной музыкальной сцены.

"Во всей Германии у нас не было истинных корней рок-н-ролла, - говорил в 1986 году Фрезе в интервью журналу Down Beat. - Здесь (в США) у вас был чистый рок-н-ролл и ансамбли, которые знали, как его исполнять. Как рок-ансамбль, мы не могли сравнивать свои таланты с американскими музыкантами.Поэтому то, что мы должны были сделать - это отойти и проникнуть через черный ход в другие способы самого музыкального выражения".

Таким образом, в 67 году появился на свет новый проект Эдгара Фрезе, который положил начало совершенно новой концепции и отношению к электронной музыке. Этот проект получил название, заимствованное из альбома СЕРЖАНТ ПЭППЭР группы BEATLES - TANGERINE DREAM, что можно перевести как МАНДАРИНОВАЯ МЕЧТА или МАНДАРИНОВЫЙ СОН, как вам больше нравится.

В своем манифесте Tangerine Dream объявили, что группа "собирается творить сильную музыку, которая освобождала бы людей от ужаса, насилия и отчаяния и несла бы им радость и надежду; музыку, которая возвращала бы слушателям состояние чистоты, невинности и созвучия с космическими гармониями".

Первоначальный состав группы: FROESE, KLAUS SCHULZE, KONRAD SCHNITZLER. В 69-ом выходит первая пластинка группы ELECTRONIC MEDITATION.

Электронные движения импровизаций должны были "акустически заполнить то, что находится между рождением и смертью". Это была музыка постапокалипсиса. Гитара Фрезе выдавала ураганы и смерчи искаженных ревов и похрипываний. Шульце пробивал в своих барабанах дыры. Воющие пилы-скрипки и виолончели Шнитцлера добавляли то, что было свойственно для современной кельнской школы классической музыки.

Вспоминая об этой работе гораздо позже Клаус Шульце охарактеризовал этот альбом как электронный панк. Но кстати, оригинальная виниловая версия ELECTRONIC MEDITATION сегодня стоит несколько сот фунтов стерлингов и является гордостью коллекционеров.

"Мы хотим сделать слышимым движение, уйти на самый край человеческого воображения". Edgar Froese

C приходом Franke и Baumann, музыка группы стала более агрессивной и экспериментальной, в ней были легко заметны влияния электроакустических разработок Штокхаузена и других представителей серьезной академической электроники. Названия альбомов и композиций вызывали воспоминания о научной фантастике и космосе. Их музыка стала почти клаустрофобичной, с замкнутой на себя неемкой структурой и магнитофонным эхо, выбивающим из привычной колеи, усиливающим жуткий, экзотический звук. В ней чувствовалась почти физически осязаемая оторванность от всего, что происходило вокруг и называлось МУЗЫКОЙ.

В 71 году выходит двойной альбом ZEIT, в котором электроника соединилась со струнным квартетом. это было новое движение ТД, новая проба, новый эксперимент. Но при всех достоинствах этой работы еще не до конца сформировалось собственное творческое лицо коллектива и многие это заметили.

"На альбоме представлен отличный симбиоз выразительных гармоний и электронных вариаций скатывается в чересчур продолжительные тональные мутации, препарирования звука и эффекты тишины, давая результатом бессодержательную космическую безграничность".-Die Welt

Ни для кого не было тайной, что самовыражения берлинского проекта главным образом были направленной ответной реакцией на популярные психоделические настроения Америки и Великобритании. Многочисленные критики сравнивали их с PINK FLOYD и единогласно называли эту работу неудачной и скучной.

"В контрасте с произведениями творцов этого жанра - Кэйла, Штокхаузена, Фелдмана - их акустический ЛСД был стерильно упакован и являлся ребусом, поддающимся для разгадки лишь избранной аудитории" (Rocklexikon).

Несмотря на такую реакцию, проект продолжает свое существование и их новая работа альбом PHAEDRA попадает в первую десятку британских списков популярности.

В рецензии на альбом издание Rolling Stone отмечало "эффектное сочетание меллотрона и синтезатора" и "роскошное использование полнозвучных гармоний".

Еще сильнее и полноценне почувствовали себя музыканты после знаменитого концерта в Реймском соборе, куда набилось шесть тысяч слушателей вместо возможных двух.

В 76-ом TANGERINE DREAM работают над музыкой к фильму Уильяма Фридкина "Колдун". Оставшись верной европейскому авангардному искусству, группа исполнила музыку, сложенную из отдельных звуковых мотивов, часто не связанных между собой и резко обрывающихся. Со временем, работа в кино стала неотъемлемой частью жизни проекта и в сумме количество soundtracks перевалило за 300.

В 1977 году ансамбль гастролировал по Европе и Америке со своим лазерным светошоу. Фантастическое представление, которое происходило на американском континенте, было опубликовано на альбоме ENCORE. Экзотические звуковые краски, завораживающие ритмы и общая обвалакиваемая текучесть музыки завораживала слушателей. Но и здесь критики нашли в чем обвинить мандариновых мечтателей - появление в музыке ТД запоминающихся мелодий было истолковано, как откровенно комерческое смещение в творчестве и предательство святых устоев авангарда.

После ухода PETER BAUMANN, в составе появилось новое действующее лицо - барабанщик KLAUS KREGER. То ли появление нового мыслящего индивидуума, то ли уход Бауманна, не понятно что именно, но что-то явным образом повлияло на характер далнейшей творческой стези оставшихся музыкантов. ТД обретает новое лицо, на котором остались свободно плавающие в пространстве иллюзорные образы и грезы, но уже были "одеты" в четкие мелодические линии многомерной и динамичной атмосферы.

Tangerine Dream назвали свою музыку "универсальным языком". Они постоянно поддерживали антиракетные и антиядерные компании. Играли на знаменитом бесплатном концерте в ФРГ в 1983 году. В январе 1980 года стали первым западногерманским ансамблем, выступившим в ГДР.

За многолетнее существование коллектива, в составе группы в различное время были многие известные сегодня электронщики, в частности STEVE SCHROYDER, STEVE JOLLIFFE, PETER BAUMANN, JOHANNES SCHMOELLING, CHRISTOPHER FRANKE, PAUL HASLINGER, а в сумме за всю историю группы "Танжериновую" школу прошли 35 музыкантов!

ТД создали свой имидж, свой собственный музыкальный стиль и вместе с легендарным Клаусом Шульце положили начало целому музыкальному направлению, которое в дальнейшем получило название Берлинская Электронная Школа.

Концертные выступления этого коллектива представляли собой фантастическое сплетение невероятных музыкальных образов и использование всех доступных средств световой, лазерной и пиротехники. Эти концерты воспринимались как 8-ое чудо света и при помощи довольно скудных по сегодняшним меркам возможностям сценической техники, группа создавала свой специфический мир иллюзий мандариновых грез, который не менее поражал воображение, чем последние супер шоу Жан Мишель Жарра или Пинк Флойд. Отрывок воспоминаний об одном из таких выступлений:

"Зелено-голубое небо как то незаметно стало бирюзовым и башни средневекового замка медленно в нем растворились. Зазвучали неземные фантастические звуки. Это была завораживающая музыка, усеянная десятками разноцветных лазерных пунктиров, ясными тонкими сверкающими линиями, постоянно создающими немыслимые узоры в пространстве. Яркие вспышки осветили небо. Мы увидели прямо перед собой летящую чайку, скачущую лошадь и разноцветное сплетение лазерной паутины над нашими головами... Мы слышали ревущее море, кричащие звезды, осенние хмурые дожди, монотонный пульс Вселенной......"

Люди, которым чужда синтетическая культура в целом, относяться к ТД (как впрочем и клюбому другому синтетическому проекту) как к "нажимателям кнопок", при помощи которых умные машины создают музыку....музыку, которая в свою очередь тоже может рассматриваться только как фон, создающий некие настроения. Иначе говоря, сложные электронно-гитарные работы проекта для кого-то являются анафемой, для тех, кто привык слушать нормальную поп и рок музыку без лишних надстроек и заумностей.

История творчества этого многогранного коллектива не закончилась и сегодня, но для большинства поклонников громкое имя TANGERINE DREAM закончилось в 1988 году. Последний альбом "настоящего ДРИМА" LIVEMILES был записан в следующем составе: Edgar Froese, Christopher Franke, Paul Haslinger.

Потом Мистер Секвенсор (CHRISTOPHER FRANKE) отправился в творческий отпуск... бессрочный отпуск... Эдгар Фрезе, оставшись в творческом одиночестве, воссоздал новый ДРИМ со своим сыном Джеромом. Сегодня коллектив, полу семейный коллектив, который поселился в Соединенных Штатах и сохраняет за собой громкое имя ТД, не имеет практически ничего общего со своим легендарным прошлым ни в идейном, ни в музыкальном плане; это высококачественная инструментальная музыка, созданная на 90 процентов при помощи электронно-компьютерно-клавишного оборудования. Для миллионов поклонников этих берлинских революционеров настоящий ДРИМ был и остается в недалеком прошлом, ДРИМ, который "умер" в 1988 году....

Дискография TANGERINE DREAM

1. Electronic Meditation (Ohr 1970)
2. Alpha Centauri (Ohr 1971)
3. Zeit (Ohr 1971)
4. Atem (Ohr 1972)
5. Phaedra (VRG 1974)
6. Rubicon (VRG 1975)
7. Ricochet (концертный) (VRG 1976)
8. Sorcerer (саундтрек) (VRG 1976)
9. Encore (VRG 1977)
10. Stratosfear (VRG 1977)
11. Cyclone (VRG 1978)
12. Thru Metamorphic Rocks (VRG 1978)
13. Cloudburst Flight (VRG 1979)
14. Force Majeure (VRG 1979)
15. Tangram (VRG 1980)
16. Exit (VRG 1981)
17. The Thief (саундтрек) (VRG 1981)
18. White Eagle (VRG 1982)
19. Hyperborea (VRG 1983)
20. Logos - Live at the Domin ion (концертный) (VRG 1983)
21. Risky Business (саундтрек) (VRG 1984)
22. Firestarter (саундтрек) (VRG 1984)
23. Poland (концертный) (VRG 1985)
24. Le Parc (VRG 1985)
25. Wave Length (саундтрек) (VRG 1985)
26. Heartbreakers (VRG 1985)
27. Green Desert (записан в 1973 г.)
28. Undercover Dreams (Cuby 1986)
29. Underwater Sunlight (VRG 1986)
30. Tyger (VRG 1987)
31. Shy People (саундтрек) (VRG 1987)
32. Optical Race (Private Music 1988)
33. Livemiles (концертный) (VRG 1988)
34. Miracle Mile (VRG 1989)
35. Lily of the Beach (VRG 1989)
36. Melrose (VRG 1990)
37. Rockoon (CST 1992)
38. Live Encore (VRG 1993)
39. Tyranny of Beauty (AMP 1995)
40. Goblins Club (Castle 1996)
41. Zoning (саундтрек) (Repertoire 1996)
42. Oasis (саундтрек ) (EFA 1997)

compilations:

1. Dream Decade (VRG 1981) OOO
2. Dreams Sequence (VRG 1986) OOO
3. The Collection (VRG 1987)
4. 1973-88 (Music Club)

EDGAR FROESE solo:

1. Aqua (VRG 1974)
2. Epsilon in Malaysian Pale (VRG 1975)
3. Ages (VRG 1977)
4. Stuntman (VRG 1980)
5. Kamikaze 1989 (VRG 1982)
6. Pinnacles (VRG 1982)
7. Pinnodes (VRG 1983)

PETER BAUMANN solo:

1. Romance '76 (VRG 1977)
2. Trans Harmonic Nights (VRG 1979)
3. Repeat Repeat (VRG 1981)
4. Strangers (VRG 1983)

Станция "электронная"

"They show their work to others with beautifully composed and stylised videos, a flashback to the design and art of the 30's. Even people who dislike Kraftwerk's ideas can not help but appreciate the ability so clearly shown by their pictures. Due to their minimalistic electronic sounds and beats Kraftwerk is probaly the most sampled sound source in electronic music and the most influential white group on black dance music ever. Kraftwerk are often mentioned as the forerunners of trance, house and techno, and this is one just one indication for the continuing influence of the duo."
Thomas Weckert

Пожалуй, одним из самых эксцентричных проектов в неакадемической электронной музыке был немецкий коллектив KRAFTWERK. Сегодня их называют праотцами музыки текно, но самая значительная заслуга этого коллектива является совмещение экспериментальной электроники с общедоступными народными ритмами, что впрочем и принесло им общемировую известность. Их музыку слушали гурманы, их завораживающие монотонные ритмы атаковали тысячи дискотек и в недалеком прошлом признание господства человека над машиной в форме слов "Я твой слуга, я твой работник" было хорошо известно и в нашей стране.

1968 год, Дюссельдорф, Германия. Именно здесь и познакомились основатели группы RALF HUTTER ? FLORIAN SCHNEIDER-ESLEBEN. Hutter играл на электрооргане, Шнайдер - на деревянном духовом инструменте. Оба имели классическое музыкальное образование, исполняли в основном джазовые произведения и были желанными гостями на различных молодежных вечеринках. В это время в Германии , как и в других странах поднималась волна музыки бунта, психоделии и андэграунда. Молодежь не устраивали традиции бабушкиного сундука и общепринятые рамки морали и поведения, что несомненно отражала прежде всего и музыкальная культура конца 60-ых.

Рабочий район Дюссельдорфа, где жили Хуттер и Шнайдер, был насыщен индустриальными пейзажами многочисленных заводов и фабрик. Музыкальные изыскания дуэта зарождались в миражах серого от копоти неба, среди металлических конструкций и дымящих труб. Все их первые работы наполнены звуками монотонного урбанистического мира, плюс экспериментальная электроника, завораживающие ритмы и порой даже лирические мелодии. Но абсолютную формулу успеха своих экспериментов музыканты нашли гораздо позже, а первая пластинка 70-го года TONE FLOAT прошла совершенно незамеченной и была малоинтересна для публики. Это был еще далеко не КРАФТВЕРК, который мы знаем сегодня, это была хоть и неплохая , но все-таки пародия на музыку британской группы ПИНК ФЛОЙД.

В записи первого альбома принимали участие 5 музыкантов, а через несколько месяцев Хуттер и Шнайдер начинают сотрудничество с другими коллегами по экспериментам, которых звали KLAUS DINGER и THOMAS HOMANN. С этим составом были записаны еще два не совсем успешных альбома КРАФТВЕРК I и KRAFTWERK II.

Лидеры группы пробуют творить без помощи других музыкантов и в 73-ем выходит сольный альбом дуэта, который получил название RALF AND FLORIAN. Все эти работы воспринимались без особого энтузиазма со стороны слушателей и профессионалов и группа оставалась далеко за пределами понятия "популярность". Но тем не менее, их изыскания все-таки были замечены музыкальной прессой и как отмечалось в те годы, музыка КРАФТВЕРК излучала какой-то новый дух индустрии и эксперимента" - конец цитаты.

Поворотным моментом в жизни группы стал 1974 год, когда вышел их очередной альбом AUTOBAHN. Многие критики считают эту работу КРАФТВЕРКА одним из самых неповторимых альбомов за всю историю электронной музыки. И по мнению таковых заслуга эта причисляется на счет новых музыкантов группы - гитарист KLAUS ROEDER и барабанщик WOLFGANG FLUR. Некоторые профессионалы все-таки считают, что поистине революционным был следующий альбом группы RADIOAKTIVITAT, в котором принимал участие новый гитарист, широко известный сегодня KARL BARTOS. Лично мне больше нравится вторая версия по поводу революционности развития творчества этого коллектива, но на сегодняшний день большинство около музыкального мира утверждает, что именно AUTOBAHN стал путеводной звездой на вершину успеха.

До сих пор мы говорили только о признании музыки КРАФТВЕРК и об эволюционных изменениях в их творчестве. А теперь уже смело можно употреблять слово "популярность". Общемировую известность, популярность и признание коллектив получил после выхода в свет альбома THE MAN-MACHINE. Альбом 78-го года был поразительно свежим, неординарным и смелым в области экспериментальной электроники и популярной массовой музыки. Завораживающие ритмические рисунки, пронизанные почти лирическими распевчатыми мелодиями, необычайно красивые и неожиданные электрические эффекты, которые преподносились слушателю в изысканной и строгой немецкой манере - все это пришлось по вкусу не только любителям чего-то необычного, но и огромному числу обывателей: музыка КРАФТВЕРКА стала достоянием масс. "Я твой слуга, Я твой работник" закрутилась на всех дискотеках мира и мгновенно продавалась в музыкальных магазинах.

Имидж музыки роботов - это была лишь половина воплощения идей музыкантов. В конце 70-ых и в начале 80-ых на музыкальной мировой арене была в изобилии представлена сценическая картинность и невероятное обилие всевозможных фантосмагоричных образов МУЗЫКАНТОВ - начиная от полу людей американского рок-коллектива KISS до неистовых бронзоголовых жуков ROCKETS.

Концертные выступления группы КРАФТВЕРК были вызывающими и шокирующими. Находясь в концертном зале публика не видела привычную ударную установку, гитары а начиная с 80-го со сцены исчезли даже клавишные. На сцене стояли только компьютеры и музыканты в образе людей-манекенов или роботов.

Еще больше группа попала в разряд эксцентриков, когда стала практиковать свои псевдо-концерты. Происходили следующие вещи* в одном городе музыканты афишировали свой концерт в один и тот же день, в одно и то же время сразу на двух или трех концертных площадках. И самое удивительное, что эти два или три концерта успешно проходили. Но при этом никто с полной уверенностью не мог сказать где именно работали сами музыканты, а где публика наблюдала вышагивающих роботов под фонограмму.

В 90-ом музыканты совершили большой концертный тур, наглядно демонстрируя свои механические пристрастия и последние достижения HIGH-TECH. Музыканты скромно колдуют над своими компьютерами в слабоосвещенном уголке у сцены, а перед обалдевшей публикой синхронно работает квартет радиоуправляемых манекенов с лицами самих музыкантов. Апогеем творчества группы КРАФТВЕРК считается наиболее экспериментальный и самый сильный альбом 86 года ЭЛЕКТРИЧЕСКОЕ КАФЕ. Современные изыскания разъединившихся музыкантов (YAMO, ELECTRIC MUSIC) нельзя назвать бездарными или не интересными, НО, былой славы, я думаю, в настоящем уже достигнуть не удастся никому из них...

ДРУГОЙ НЕМЕЦКИЙ ПУТЬ

Немецкий музыкант, лучший ученик и последователь Клауса Шульца BERND KISTENMACHER. Когда он впервые представил свои работы компаниям грамзаписи, специалисты не были уверены что аналоговые интерпретации в традициях 70-ых будут интересны в конце 80-ых.

Но оказалось, что продолжение традиций и стилистической направленности музыки TD и KS имеет неподдельный интерес у поклонников старых мастеров. Это совсем не значит что работы КИСТЭНМАХЕРА, как впрочем и многих других современных электронщиков, нужно воспринимать как подделку, плагиат или пародию на музыку того же ШУЛЬЦА, совсем нет.

Новое поколение электронщиков идет проторенным путем и унаследовав технические приемы игры, общую атмосферу космических настроений просто продолжают эту же тему (столь близкую нам) варьируя и экспериментируя с новой техникой и своими собственными музыкальными идеями, НО при этом ОТКРОВЕННО продолжая традиции старой берлинской электронной школы. Новое поколение электронщиков получило название Новой Берлинской Электронной Школы и отличие между ними по большому счету заключается лишь во времени, в котором живут и творят музыканты, так как многие современные композиторы Новой Школы с таким же успехом могли бы представить свои произведения еще 20 лет назад и они были бы столь актуальны в то время как и работы 20-летней давности того же Клауса Шульца.

Другими словами музыканты Новой Берлинской Школы являются продолжателями Старой Веры и поддерживают символический огонь Электронно-космических идей, который однажды вспыхнул в одной берлинской студии в конце 1969-го.

Начав свою сольную карьеру и воодушевленный электрическими единомышленниками вместе с композитором МАРИО ШОНВАЛЬДЕРОМ в 90 году Кистенмахер основывает свой независимый маленький лейбл MUSIQUE INTEMPORELLE. Многие маленькие независимые компании грамзаписи 90-ых очень часто возникают по принципу - моя музыка никому не нужна, ее никто не покупает и поэтому я сам буду ее сочинять и сам буду публиковать и пытаться продавать. Эта схема в данном случае не имеет никакого отношения к образованию и активности лейбла MUSIQUE INTEMPORELLE.

КИСТЕНМАХЕР решил основательно поддерживать молодые немецкие таланты, всячески способствуя просто выживанию композиторов, работающих в этой области некоммерческой музыки. Таким образом, стали выходит довольно интересные альбомы молодых и до сих пор неизвестных музыкантов, среди которых чисто профессионалов было совсем немного. Кто-то работал водителем такси, а потом стал известным лидером проектов SOLITAIRE, HEMISPHERE, а также записал два альбома с королем индусриально-атмосферических коллажей Стивом РОУЧЕМ. Это был ELMAR SCHULTE в недалеком прошлом водитель такси в маленьком городе Падэборн. Этот список могут продолжить такие люди как преподаватель музыки RUDIGER GLEISBERG,ANDREAS LEIFELD, которые тоже жили в этом небольшом немецком городке. Также на MUSIQUE INTEMPORELLE были выпущены альбомы таких звезд как MANUEL GOETTSCHING (основатель легендарного проекта ASHRA), а также СЕРЕБРЯННОЕ ИЗДАНИЕ Клауса Шульца. В 90-ых общая сеть музыкантов Новой Берлинской Школы охватила многие страны мира, среди которых лидирующие позиции на сегодня, пожалуй, занимают Германия и Голландия.

Мартин Ландерс

Стили и направления электронной музыки (общая классификация)

2olega — Wed, 05 Nov 2008 19:45:52 GMT

Progressive Electronics

Зародилась в конце 60х, в начале 70х годов. Основоположники стиля: Tangerine Dream, Klaus Schulze, Software, J.M. Jarre. Эксперименты со звуками, желание создать нечто совершенно отличное от общепринятых музыкальных канонов, попытка создать нечто более сложное чем песня о любви - вот что двигало этими людьми. Музыка создавалась только для себя " Мою музыку никто не поймет, ее никто не купит" - говорил Klaus Schulze. Однако музыкальный мир уже созрел для восприятия чего-то нового, непостижимого - электронная музыка появляется как стиль.

Ambient

Ambient (Эмбиент). Это слово переводится с английского как окружающий или обтекаемый. Музыка не содержит ритма, очень плавная и растянутая по времени. Один трэк может занимать целый компакт диск. Объяснить, что такое Эмбиент на словах можно следующим образом: возьмите пяти минутную композицию и растяните ее до пятидесяти минутной, получите классический Эмбиент-трэк. Конечно же любители Эмбиента категорически не согласятся с подобным определением и будут правы, но более точно определить Эмбиент музыку пожалуй не удастся. Отцом основателем данного направления считается Brian Eno. Он длительное время лежал в больнице, в его палате всегда было открыто окно. Тогда он понял, что на основе звуков, раздающихся из окна можно создать неплохую музыку. Классический Эмбиент можно услышать в исполнении: Brian'a Eno; Allio Die и всей продукции лэйбла Ciclotron Industrics; в некоторых работах Laraaji и Biosphere; очень показательной работой является четвертый трэк с альбома J.M. Jarre под названием " Waiting for Cousteau ". Уже на много позже, после того как родилась и стремительно развилась танцевальная электронная музыка, появилось еще одно самостоятельное направление - Dub-Ambient. Но все же, это всего на всего симбиоз "амбиета" и ритма. Явными первооткрывателями такой музыки стали Toby Marks (Banco de Gaia) и Peter Sawatzki (Ultrabass).

New Age

Ньюэйдж - направление, сформировавшееся в начале 70-х годов. В переводе с английского это означает "новый век", "новая эпоха". В самом начале она рассматривалась как одно из ответвлений альтернативной музыки, созданное в противовес стилям, которые пропагандировали своими текстами и несли с собой насилие, жестокость, наркотики... Тогда new age распространялся в самых разнообразных местах рядом с хрусталем, конфетами и овощами, в аптеках, вместе с философской и религиозной литературой и предназначался в основном для духовных практик и техник, а также для психотерапии. Позже, с развитием электронной музыки и технических возможностей, new age стал более разнообразнее и перестал отождествляться только с музыкой для медитации и релаксации. Сегодня понятие этой музыки настолько широко и противоречиво, что вызывает много разночтений и оговорок, отчасти, наверное, потому, что элементы new age при желании можно найти у многих музыкантов, тем более если их стиль не укладывается в уже существующие рамки.Этот стиль имеет множество подстилей - Visual Music, Contemporal Classic и др.

Academic Electronic

Это полностью экспериментальные музыкальные коллажи более всего похожие на Саунд-трэк к фильму. Но это не Саунд-трэк в привычном для нас понятии. Произведения Академической Музыки практически не содержат мелодии, это скорее тщательно подобранный набор звуков и спецэффектов: звуки шагов, разговоры людей, шум проезжающих машин. Музыка полностью переносит вас в происходящие события. В Академическом произведении могут содержаться паузы, зачастую длиной до нескольких минут. Это очень странная, довольно редкая и практически не известная музыка.

World Music

IDM

(Intelligence Dance Music)Умная танцевальная музыка. Естественно, это музыка основанная на ритме. Но в ней присутствует серьезный инженерный подход к созданию этого ритма. В такой музыке практически нет "квадратизма". Еще одна основная черта IDM - это весьма мрачные настроения. Классическое исполнение IDM можно услышать у Aphex Twin, Autechre.

Жарреная электроника / Мартин Ландерс

2olega — Wed, 05 Nov 2008 19:44:09 GMT

Все вы помните недавний концерт господина Жан Мишель Жарра в Москве. Мне хотелось бы написать несколько слов в отношении этого монстра от электроники. C одной стороны, потому, что это было совсем недавно, с другой стороны потому, что это, очевидно, - наиболее известное имя из мира синтетических горизонтов.

Вспоминая далекие 70-ые, вспоминая свое собственное знакомство и первые шаги в области электроники, имя JEAN MICHEL JARRE было связано, прежде всего, с необычайно душевной и одновременно абсолютно фантастической звуковой палитрой, которая также резко отличалась от всего остального, как компьютер от каменного топора. Не хочу отождествлять себя с целым поколением критиков и фанатов электроники тех лет, но хочу заметить, что на фоне некоторых других собратьев по электрическому оружию, уже тогда работы французского покорителя электрических машин сильно уступали. Жарр прежде всего создавал МЕЛОДИЧЕСКИЕ конструкции, которые, конечно же, просто нравились многим, но с другой стороны, не могли приравниваться или соперничать с новаторским идеями и самовыражениями музыкантов от электронного авангарда, в котором в то время числились многие европейские проекты и коллективы.

Жан Мишель Жарр родился 24 августа 1948 года. Учился в парижской консерватории по классу фортепиано. В конце 60-ых работал в качестве гитариста в рок группе. В 68 году Жарр зачислен в Парижскую группу изучения музыки народов мира, где увлекается музыкой африканских народов. В качестве "электронщика" композитор заявил о себе еще в 1971 году - дебютное выступление в зале Пале-Гранье, где Жарр соединил классическую оперу с электронным звучанием. Ярко и грациозно имя маэстро появилось вновь в 76 году. Его альбом OXYGENE был в какой-то степени революционным, по крайней мере достаточно неординарным и свежим. Два года спустя выходит не менее удачная работа, альбом EQUINOX, который , как и предыдущий, стал платиновым. В 81 Жарр выпускает альбом MAGNETIC FIELDS, в котором еще присутствует доля настоящего эксперимента, но, к сожалению уже прослеживается смещение автора в сторону так называемой POP SYNTH MUSIC; почти танцевальные ритмические конструкции, простые мелодические линии... что, в принципе, и стало основным творческим лицом композитора вплоть до наших дней.

Безусловно, не стоит уменьшать заслуги этого человека в области Электронной Музыки и его влияние на развитие жанра в целом. В конце 70-ых это было действительно неподражаемое явление в музыкальном мире, но по истечении времени стали появляться более интересные работы композиторов, которые развивали идеи и концепции того же ЖАРРА, но были более интересными и новаторскими.

Также, очевидно, не стоит забывать, что до появления Жарра на мировой музыкальной сцене уже вовсю творили динозавры жанра как KLAUS SCHULZE & TANGERINE DREAM.

Я не удивлюсь, если кто-то (а может быть и сам Жарр) заявлял или заявляет, что он был первооткрывателем Электронной Музыки (как это уже было с Дидье Моруанни из SPACE, например).

Начиная с 82 года, после знаменитого китайского концерта, Жарр, очевидно, стал серьезно задумываться над своими концертными выступлениями. Здесь стоит сделать небольшое отступление и буквально в двух словах попытаться пояснить общую концепцию и разницу между "концертной политикой" Жарра и других представителей Электроники.

В большинстве случаев именитые артисты Электронной Сцены выступали и выступают в небольших (500-2000 человек) залах, чаще всего это какие-нибудь костелы, соборы или просто академические залы. Но не это главное. По сей день музыканты сосредотачивают свое внимание на МУЗЫКЕ, а пиротехническое, лазерное, дымовое оформление является неким сопутствующим товаром для восприятия опять же таки МУЗЫКИ.

Многие именитые музыканты (включая KLAUS SCHULZE), например, используют только световые и лазерные эффекты, считая, что этого вполне достаточно.

Ситуация с господином Жарром несколько иная. Он устраивает визуальное "супер шоу"....с музыкой, которая была "на гребне" много лет назад.

В последние годы его все чаще называют талантливым режессером-постановщиком своих шоу, все чаще забывая упомянуть о том, что он еще и композитор... возможно, его представления кого-то восхищают и приводят в восторг, допускаю, если рассматривать их как просто шоу. Но если говорить об этом как о концерте Электронной Музыки, то, боюсь, я не могу сказать ничего лестного. Потому что, как я уже говорил, в этом случае на первый план выступает Ее Величество МУЗЫКА.

Творческая биография Жарра имеет одну загадочную страничку. Имеется ввиду альбом 90-го года В ОЖИДАНИИ КУСТО. 46-тиминутная одноименная композиция явно отличается от всех творений маэстро как до, так и после. Работа выдержана в строгих рамка минималистического эмбиента и появление такого полотна на альбоме Жарра было полной неожиданностью и большим сюрпризом для многих критиков и профессионалов.

Ходили слухи, что якобы сын украл идею у отца (Морис Жарр, он же Михаил Жаров - известный фильммэйкер Голливуда), но насколько это верно сказать затрудняюсь.

Но несмотря на все закулисные истории, этот достойнейший трек увидел свет и является своеобразной жемчужиной в творчестве композитора.

Так что, с музыкально-идейной точки зрения господин ЖАРР сегодня почти полностью иссяк и, как это было уже не раз со многими существующими проектами, все что мог - уже сказал и сделал много лет назад. С точки зрения известности и популярности - один из самых известных в мире. Сотни более интересных и революционных композиторов представлено сегодня на электрической сцене планеты Земля, но, очевидно, и у десятой части этих "революционеров" нет такой финансовой поддержки и покровительства, чтобы так громко и беспрецедентно заявить о себе миру.

Границы электрических пространств / Мартин Ландерс

2olega — Wed, 05 Nov 2008 19:41:40 GMT

Среди многочисленных представителей современной электронной музыки, большинству российских поклонников этого жанра известны далеко не все, даже среди мировых звезд и правофланговых. И в этом выпуске Электронного Ландшафта я хочу представить вам музыканта, чье имя во многих странах мира уже полноправно ассоциируются с понятием Электронная Музыка, наряду с некоронованными королями Klaus Schulze, Tangerine Dream, Jean Michel Jarre, Kitaro и так далее. Сегодня нашим гостем будет достаточно известный персонаж из синтетической Вселенной - британский музыкант Andy Pickford.

Вступительное слово к этому интервью, а вернее, небольшая экскурсия в основную терминологию современной электроники. Сегодня в этом музыкальном направлении можно провести достаточно условные границы, определяющие те или иные тенденции электронных само выражений.

Таким образом (опять же таки, абсолютно условно) в мире определены некоторые рамки, в которые многочисленные критики и пытаются втиснуть того или иного композитора. Взаимопроникновение стилей и жанров сделало эту классификацию почти невозможной, но, тем не менее, если попытаться грубо обозначить тенденции в современной электронной музыке, то можно выделить несколько характерных направлений. Не будем заострять внимание на той части электронной музыки, в которой сегодня хорошо разбираются в основном люди младше 20-ти.

Насколько я знаю, только один trance имеет более тридцати подвидов и ответвлений. А разговаривать мы будем о музыке более серьезной и, если хотите, то даже о классической, о классической электронике.

Традиционная Электроника
(она же Старая и Новая Берлинская Школа).

Возникла в конце 60-ых в Берлине. Это преимущественно секвенсорная музыка с применением аналоговых синтезаторов; очень часто в отношении этого направления вы можете встретить описывающие эпитеты - иллюзорная, психоделическая, ассоциативная, медитативная и так далее. Как правило, это глобальные музыкальные полотна, построенные зачастую на нескольких повторяющихся музыкальных движениях-кольцах, по мере развития, обрастающие яркими выразительными мелизмами с одной или несколькими мелодическими линиями.

Примеры: Klaus Schulze, Bernd Kistenmacher, Tangerine Dream, Mario Schoenwaelder, Chuck Van Zyl, Bas Broekhuis и так далее. Словами говорить об этом направлении почти бессмысленно. По своей природе и музыкальной эстетике это направление до сих пор является ведущим и наиболее серьезным на современном музыкальном рынке. Синтезаторные опусы мастеров экстра класса выделяются на фоне многочисленных подражателей и плагиаторов.

Думаю, что даже неподготовленный слушатель сможет заметить домашнюю поделку от работы профессионала. Музыка этого направления несет в себе некую психоделическую нагрузку, прежде всего.

Эта "картинная" музыка способствует погружению в обособленный мир вашего воображения и вымысла.

Чаще музыка совсем не жизнерадостная, а наоборот - минорная, драматическая, событийная. Если попытаться охарактеризовать это направление с эмоциональной точки зрения - это музыка энергетики космоса и осенних дождей, музыка ночи и одиночества. Иллюзорные миры, рождавшиеся на рассвете Берлинской Электронной Школы, продолжают тревожить наши души и сегодня.

Возможно, работы начала 70-ых сегодня не будут достаточно яркими и пронзительными на общем компьютеризованном музыкальном фоне; возможно, нужна какая-то если не подготовка, то, по крайней мере, внутренняя расположенность к восприятию такой информации. Человек, решивший послушать древнего Шульце (например), должен понимать, что это действо, в которое он сейчас попадет, в корне отличается от любой рок - поп музыки; что нельзя это слушать в веселой шумной компании или за праздничным столом.

Хотя один мой знакомый как раз по этому поводу как-то сказал - "хорошая музыка для отдыха". В жизни все относительно, а уж что касательно музыкального восприятия, так и подавно. Новая Берлинская Электронная Школа, безусловно, несколько трансформирована в сравнении со своим старшим собратом. В работах молодых продолжателей жанра чаще присутствуют откровенно лирические мелодики, сама энергетическая и музыкальная мысль не столь глобальна, как у дедушек; у многих музыка гораздо проще и примитивнее. Тем не менее, большинство из мастеров и начинающих подмастерий все же стараются выдерживать рамки дозволенного.

С другой стороны, новое поколение Новой Школы использует влияния современных различных музыкальных течений и, конечно же, фантастические возможности современной техники, чего в 70-ых не было ни у кого.

Британская Электронная Школа.

Возникла в Англии в начале 80-ых. Основной чертой отличия от Берлинской Школы является наличие более легких доступных музыкальных форм, обилие стандартных ритмических конструкций, более лирическое и менее "закрученное" музыкальное содержание. В целом можно сказать, что музыка Туманного Альбиона чаще смещена в сторону популярных ритмов и, так называемой, "pop-synth-music".

Примеры: Michael Neil, Paul Ward, Paul Nagle, Anthony Trasher, Michael Shreeve, John Dyson, Ian Boddy и так далее. В принципе, сказать, что Берлинская и Британская школы сильно отличаются друг от друга было бы не верно. Представители этих двух школ в равной мере используют добротное аналоговое оборудование, частично схожие музыкальные приемы техники игры и звукоизвлечения. Так в чем же разница - спросите вы. В данном случае, ярких признаков этих отличий практически нет. Разница заключается лишь в настроениях и, скажем, некоей модернизацией этих самых настроений.

Музыка этого направления почти закономерно всегда более светлая, веселая, более современная по своим тембральным формам и ритмическим конструкциям. И если даже мелизмы и спецэффекты какой-то пьесы указывают на принадлежность к космической тематике, то, скорее всего, это будет роботизированный космос нашего нынешнего представления, а не безжизненные ландшафты далеких фантастических миров образца начала 70-ых. Также многие представители этого течения работают на стыке New Age и Традиционной Электроники.

Космическая Музыка.

Появилась на свет практически одновременно с Традиционной Электроникой. Разница лишь в том, что как самостоятельное течение Космическая Музыка более-менее сформировалась в конце 80-ых. Это собирательный образ, основанный преимущественно больше на эмоционально-идеологическом уровне, чем на музыкальном. К этому направлению относят музыку, которая проповедует определенные настроения, а в музыкальном отношении это могут быть влияния всех форм современной электроники, включая NEW AGE и NEOCLASSIC.

Большую роль в становлении этого направления как самостоятельного жанра сыграл американский радио синдикат Hearts of space, объединивший под своим началом музыкантов работающих в этой области со всего мира.

Примеры: Raphael, Al Gromer Khan, Nick Tyndall, Jonn Serrie, Michael Stearns, Robert Rich, Steve Roach и так далее. Космическая Музыка конца 90-ых, пожалуй, сильно отличается даже от 80-ых.

Многие работы (и тогда, и сегодня) попадают в эту секцию современных разграничений по определению критиков и менеджеров компаний грамзаписи. Другими словами, слушая ту или иную работу (причем, часто совсем не из мира электронной музыки) вы слышите в ней космические нотки, веселье танцующих звезд или печаль безвоздушного пространства - значит данная пьеса может быть зачислена в разряд этой музыки.

Изучая поток музыкальной информации, приходишь к выводу, что это происходит именно так. Некоторые лейблы (не будем на них показывать пальцем) совершенно безосновательно рекламируют свой новый релиз, приклеив этот громкий ярлык. Сначала почитал - потом послушал; нас обманывают. В наше время по предварительной информации о какой-то новой работе вообще не приходиться судить, пока не услышишь собственными ушами.

Года 3 назад я помню случай, когда практически во всех ведущих "электрических" журналах мне попадалось одно и то же имя молодого нового таланта из Германии (пусть тоже безымянного). Ну, столько лести было пролито по поводу его дебютного альбома под названием "Dune" (речь идет, конечно, не об одноименной работе Klaus Schulze). Хвалили все. Оформление альбома тоже выглядело многообещающим. Через некоторое время этот альбом попал ко мне в руки.:

После этого случая я стал очень осторожно относится к музыкальным критикам и еще больше - к их похвальным песням. Я думал, что чего-то недослышал, когда прослушал этот диск первый раз. Прослушал второй - нет, никаких сомнений не было. Откровеннейшие интерпретации Jean Michel Jarre и, частично, танжериндримовские секвенсорные приемы. Одно было действительно впечатляющим - шумовые эффекты в начале каждой композиции.

Завершая это незапланированное отступление, хочу сказать, что из всех знакомых мне периодических изданий, пишущих об электронике, самая актуальная (порой неожиданно дерзкая и откровенная) информация о событиях на мировой сцене публикуется во французском журнале Crystal Info.

Продолжим. В музыке этого направления, пожалуй, главенствующую роль сегодня занимает американский монстр Hearts of space. Это калифорнийский радио синдикат, который на протяжении многих лет пропагандирует Космическую (преимущественно) Музыку. У корпорации глобальный размах и, нужно отметить, отнеслись они к этой пропаганде очень серьезно.

В настоящее время Hearts of space - это очень крупная компания грамзаписи, работающая с артистами со всех концов планеты; это глобальная сеть FM радиостанций (более 300), которые вещают в 47 штатах. Мне не однократно приходилось слышать радио шоу их идеолога и "почетного космонавта" Stephen Hill (на фото) и, с сожалением хочется признать, что далеко не все и не всегда слушается не скучно и интересно. Это не только мое мнение, но, Hearts of space продолжают свои умиротворенные 'космические битвы" на музыкальном поле чаще всего однообразных без событийных звукоизвлечений.

С подачи этой компании Космическая Музыка стала, безусловно, более популярной и известной. Из ее стен вышло не мало интереснейших представителей этого направления, в равной степени, как и малоинтересные, затянутые, однообразные звуковые коллажи так же стали атаковать мир. Стандартная Космическая музыка в американском изложении должна быть монотонной и аморфной, нечто среднее между плывущим эмбиентом и слащавым New Age (чаще всего).

С другой стороны, самая настоящая Космическая Музыка была создана много лет назад, я осмелюсь поставить этот ярлык над такими работами как "Timewind" Klaus Schulze, или "White Eagle" Tangerine Dream. Лишний раз показываю вам условность и относительность всех этих ярлыков и классификаций.

New Age.

Конкретное понятие Музыка Новой Эры появилось еще в далеких 70-ых. В начале этот ярлык присваивали всему, что выходило за рамки общепризнанных и понятных pop, rock, raggae, blues, jazz, soul, rhythm and blues и так далее.

Я прекрасно помню середину 70-ых, когда и Klaus Schulze, и Tangerine Dream тоже попадали в эту категорию.

Со временем тенденции и основополагающие этого направления (каким оно является сегодня) сформировали расхожее мнение, которое можно сформулировать следующим образом. Умиротворенная спокойная музыка, способствующая созерцательным легким настроениям. В эмоциональном плане это направление можно охарактеризовать, как безмятежное однообразие плывущих по небу облаков в хороший солнечный летний день. Пожалуй, самый многочисленный отряд музыкантов оккупировал именно этот электрический плацдарм. (NEW AGE грубо можно разделить на 3 группы: синтетический, акустический и смешанный.)

Именно в этой области современной электроники сосредоточено невероятное количество скучных и малоинтересных композиторов, многие из которых "творят" свои "шедевры" в свободное от основной работы время. Как когда-то мне сказал Klaus Schulze -"мне кажется, что в мире столько же слушателей NEW AGE, сколько и композиторов".

Абсолютно согласен и также разделяю боязнь ведущих музыкантов в том, что обилие работ никому не известных авторов заполнит полки музыкальных магазинов, и что покупатель перестанет ориентироваться в безмерно разросшемся ассортименте синтетических коллажей "от доморощенных музицирователей". Разумеется, нельзя воспринимать данное разграничение как незыблемую основополагающую формулу. Я еще раз акцентирую ваше внимание, что все это очень относительные градации и разделения.

У одного и того же исполнителя могут быть (и есть!) работы, написанные в различных музыкальных направлениях.

Та же самая Космическая Музыка в свою очередь (опять же таки условно) делится на несколько поджанров, некоторые из которых, кстати, по своему музыкальному наполнению с таким же успехом можно смело отнести к ярко выраженному NEW AGE (Raphael) или к полу индустриальному психоделическому эмбиенту (Steve Roach).

Примеры: Dennis Quin (ASHA), ANUGAMA, SATORI, Mike Rowland, Suzanne Ciani, Medwyn Goodall.

От Технологий Конкретной Музыки к Музыке Компьютерной

2olega — Wed, 05 Nov 2008 19:39:43 GMT

Сегодня, когда отмечается 50-летний юбилей музыкального течения ШИРОКО известного в мире под общим названием Электронная Музыка, мы проявляем чрезмерную скромность, ограничивая жизнь этого направления столь небольшим сроком. На самом деле, как я полагаю, ему уже несколько десятков тысячелетий т. к. Прародительницей всей музыки вообще была именно КОНКРЕТНАЯ МУЗЫКА. Первоначальный музыкальный опыт человек приобретал используя звуки реальных конкретных природных объектов и имитируя их. Следы первомузыки мы можем обнаружить в фольклоре и, особенно, у народов долгое время живших в изоляции от внешних влияний. Некоторые такие народности сохранились и поныне. Например, племена, живущие на территории внутренней Монголии в Китае. Они на сегодняшний день являются последними кочевниками на Евроазиатском континенте и их музыка осталась такой же, какой она была и несколько веков назад. В качестве примера можно привести народную монгольскую песню "Jaakhan Charga" - женское горловое пение, подражающее звукам природы.

Ещe в глубокой древности великие умы человечества прослеживали связь музыки с мирозданием, с ПРИРОДОЙ. Вот как китайский религиозный философ 4-го века до нашей ЭРЫ Чжуан Цзы описывает такую музыку:

"... я снова заиграл, соединив мелодию с естественной жизнью. Звуки следовали беспорядочно, бесформенно, будто в зарослях мелодии леса. Разливаясь широко, но не растягиваясь, сумеречная, смутная, почти беззвучная, она ниоткуда не исходила, задерживаясь в глубокой тьме. Одни называли еe умиранием, другие - цветением. В движении, в течении она рассеивалась, перемещалась, не придерживаясь постоянного. В мире в ней сомневались, предоставляя мудрым еe изучать... Вслушайся - звуки этой музыки не услышишь, формы еe не увидишь, всмотревшись, небо заполнит, наполнит и землю, шесть полюсов обнимая собою."

Если не знать когда эти слова написаны, их можно было бы воспринять как некий Манифест современной музыки, гласящий, что материалом для электронной музыки является весь слышимый звуковой спектр. Мне кажется, что из всех электронных композиций, наиболее соответствующим воззрениям китайского философа и подтверждающим его слова является сочинение Эдисона Денисова "Пение Птиц" (1968).

Сама Музыка началась с повышенного интереса человека к физическим явлениям, основанных на колебаниях различных сред (струи столбов воздуха, пластины, струны), который в дальнейшем воплотился в создание и совершенствование музыкальных инструментов. С этой точки вполне естественно то внимание, которое обратили инженеры и музыканты на появившиеся в начале XX века электрический генератор звуковых колебаний. Работы и исследования в этой области привели к рождению нового - "электронного" направления, что явило собой третью, наиболее яркую и беспрецедентную, после Баха и Шeнберга революцию в музыке. И. С. Бах убедительно утвердил предложенную в начале XVIII века математиком Веркмейстером темперацию, а Арнольд Шeнберг "упразднил" ладовые тяготения. Однако, если оба эти события никак не нарушали уже сложившихся отношений между композиторами и исполнителями, а также не отразились на инструментарии и звуковом пространстве, то техника записи и синтеза звука открыли перспективу создания принципиально новой музыки, возникновения которой никто не мог предположить ещe 50 лет назад. Однако здесь не всe однозначно: первое сочинение, использующее новую технологию, было создано в 1948 году французским композитором и инженером Пьером Шаффером, но ещe в 30-е годы пути к такой музыке прокладывал Эдгар Варез.

В Европе, зарождение идей, предвосхищающие рождение электронной музыки прослеживаются с очень давних времeн в частности, в сочинениях композиторов XVII и последующих веков, расширяющих арсенал традиционных музыкальных средств. В этой связи можно вспомнить "Рождественский хорал" Георга Фридриха Генделя - для хора, оркестра и церковных колоколов увертюру "Битва Веллингтона при Виктории" Людвига вана Бетховена, где композитор можно сказать "применил" артиллерию, детскую симфонию Иосифа Гайдна с использованием игрушечных инструментов, а также оперную музыку, где вместе с оркестром использовались различные звуковые машины. В начале 20-го века Отторино Респиги видимо первым применил как инструмент новое для того времени выразительное средство Грамофон с фонограммой пения соловья, а русский композитор Александр Мосолов в сочинении 20-ых годов "Завод" в качестве солирующего инструмента использовал лист железа. Всe это лишь эпизодические примеры обращения композиторов к необычным экзотическим средствам, но которые вписывались в эстетику их времени.

Совсем иное качество имели в начале уходящего века опыты итальянских футуристов Луиджи Руссоло и Балилла Прателла, создавших с 1913 по 1920 ряд произведений для шумовых инструментов, которые по новым средствам и по применению необычных звуковых эффектов предвосхищали будущий облик электронной музыки, и где, видимо впервые партитуры выполнялись графическим способом. Они же опубликовали манифест, призывающий разбить "узкий мирок чисто музыкальных звуков и завоевать бесконечно богатый мир звукошумов". Некоторые положения этого манифеста предвосхитили эстетическую позицию создателя конкретной музыки Пьера Шеффера. Фактически первым понял и поверил в неограниченные возможности электронной техники Эдгар Варез. В 30-е годы он написал ряд сочинений для электроинструментов с различными ансамблями (напр. "Экваториал" для медных ударных и терменовокса). Примерно в тоже время (1937) Джон Кейдж писал: "Я думаю, что шум, как материал для создания музыки будет всe шире использоваться, и в конце концов мы придeм к созданию музыки с помощью электрических инструментов. Благодаря которым все слышимые звуки станут доступны композиторам. Звук есть вибрация, а на нашей земле вибрирует всe. По этой причине на земле нет предмета, который нельзя было бы слушать".

Как теперь стало совершенно очевидно, новая музыка технологически не только никогда не порывало связей с академической музыкой, но можно сказать ассимилировало еe достижения развивало их и принесла новые возможности и способы контроля над звуковым пространством. Такие фундаментальные музыкальные понятия как Тема, Интонация, Фактура, Ритм и др. сходны в макро - структурном понимании остались незыблемыми, но современная электронная техника даeт возможность идти в глубь этих понятий. Такое понятие как

ТЕМА в электронной музыке может быть реализовано как движение одного звука (тембра) в пространстве.

Пример: Jointy Harrison, композиция "Suite" (Звук стеклянного предмета по каналам)

Сам отдельно взятый ЗВУК - ТЕМБР может быть как носитель или выразитель интонации путeм выявления его внутренних временных процессов.

Пример: Альфред Шнитке, композиция "Поток" (некий гипотетический Тембр)

РИТМ как результат модуляций и "случайных" временных процессов, ПРОИСХОДЯЩИХ в самом тембре.

Пример: программы синтезатора Korg "М-1"

ФАКТУРА. Здесь поистине безграничное поле для фантазии: материалом может быть всe от синусоиды до шума, важно только как всe это организованно.

Пример: группа "Beast", композиция "Meeting Point" (шум толпы)

Ещe одну и очень важную сторону в новой технологии следует отметить - это реальная возможность эксперимента в различных ТЕМПЕРАЦИЯХ, как искусственно созданных, так и существующих в практике различных национальных культур.

Пример: Wendy Carlos, композиция "New Electronic Experience" (1985)

За прошедшие (всего) 50 лет технология электронной музыки проделала огромный и впечатляющий путь, потребовавший бы для традиционных искусств не одно столетие. В самом деле, начав с записи и монтажа на магнитной ленте конкретных звуков, в настоящее время в студиях, оснащeнных современным оборудованием и программным обеспечением, мы получили практически неограниченную власть над звуковременным континиумом. В композиторской практике любой замысел соотносится с техническими возможностями инструментария и мастерства исполнителей. До недавнего времени в электронной музыке была схожая ситуация, но с широким внедрением компьютерных технологий (программы синтеза, управления, эвристические программы и т.д.) все ограничения перед композитором были сняты (это уже новая и небывалая проблема) всe теперь зависит только от фантазии и умения композитора. Таким образом можно утверждать, что композитор остался как бы наедине с чистым листом бумаги, где можно написать всe, что угодно. Всe вернулось на круги своя, но уже в новом качестве.

Если заглянуть в историю, то можно заметить, что основы технологии электронной музыки были заложены ещe в древности. Ярким примером прообраза синтезатора может служить, ведущий свою родословную со времeн древнего Рима ОРГАН, где всe богатство тембрового банка состоит из комбинаций простых составных элементов (труб). Был, так сказать, заложен прообраз адитивного синтеза.

В средние века обращают на себя работы Атанасисса Кирхера по созданию разного рода музыкальных машин, среди которых особенно выделяется машина для сочинения музыки "Arca Musicarithmica" построенная в 1960 году.

Развитие современной Технологии Электронной музыки условно можно разделить на три этапа:

МАКРО-СТУДИЙНЫЙ, где набор технических устройств их нацеленность на ПРОИЗВОДСТВО и обработку звукового материала в сущности представлял собой единый супер-инструмент с магнитной памятью на ленте магнитофона, с естественной акустикой самой студии и искусственной, создаваемой пружинными или иными ревербераторами. Эти студии сильно напоминают, как теперь бы сказали, синтезатор со свободной конфигурацией системных блоков.

2-ой период относится ко времени появлением СИНТЕЗАТОРОВ и это было началом не только технической но и идейной революции в музыке. Давнишняя мечта - объединить в одном лице КОМПОЗИТОРА, ИСПОЛНИТЕЛЯ, ДИРИЖЁРА реализовалась в одном этом инструменте. Строго говоря, первые синтезаторы были созданы даже раньше первых студий, но они были ещe далеки от совершенства и работа на них была крайне трудоeмка.

Среди подобного типа машин упомяну "Вариафон" Александра Шолпо, (1934), где звук рисовался на звуковой дорожке киноленты, Марк-1 и Марк-2 с осциляторами, управляемые перфолентой. Первым синтезатором, где композитор один, без помощи техников мог реализовать свои произведения был "АНС"- оптико-механический синтезатор Евгения Мурзина с 720 управляемыми генераторами. Самыми яркими достижениями в этой области были создание инструментов Synti-100; Sупсlavier & Fairy Light. Первый непревзойденный аналоговый аппарат два последующих - шедевры инженерной мысли и цифровой технологии.

Пример: Alan Tibault "Права Человека" (1989) (Все тембры и весь звук синтезирован из голоса Рональда Рэйгана)

Вот как определяет Роберт Муг, создатель может быть самого популярного в 70-ые годы инструмента "МУГ", понятие синтезатор:

"Синтезатор - это система генераторов, преобразующих и контролирующих устройств, запроектированных так, чтобы сделать возможным общее и логическое производство звуков". Казалось, что синтезаторы бесконечно обогатят звуковую палитру музыки, но наметившаяся стандартизация программ ориентированных на усреднeнный "Электронный саунд" приводит к мысли о наметившимся кризисе в этом направлении. Он ещe связан с тем, что в последнее время (примерно 5 лет назад) набирает силу любопытная тенденция разделения труда в области синтеза звука на специалистов программистов создателей звуковых банков и потребителей в лице как композиторов так и отдельных компаний в основном связанных с рекламным бизнесом. Очень любопытно как этот факт повлияет на электронную музыку в дальнейшем ибо чистая технология, оторванная от композиторской практики таит в себе множество и непредсказуемых путей развития подобной ситуации.

В досинтезаторное время основным строительным материалом были искусственно полученный (с помощью генератора - осцилятора) тон или конкретный звук и магнитная лента, и техника монтажа и за прошедшие 50 лет электронная музыка овладела всем Макро и микро звуковым миром, который в настоящее время полностью подвластен композитору - была бы только воля фантазия и свободное владение техникой.

На мой взгляд самым впечатляющим завоеванием электронной музыки стало освоение и контроль над пространством, возможность создания, и сочинения его. Первые опыты организации пространства были реализованы П. Шеффером в 1953г. при постановке исполнения "Покрывало Орфея". В 1958г. в павильоне "Филлипс" в Брюсселе была исполнена "Электронная Поэма" Эдгара Вареза с вариационно изменяющимся пространством.

Здесь надо заметить, что попытки использовать пространство, как средство воздействия на слушателя предпринимались с древних времeн достаточно вспомнить состязания хоров в древней Греции во время Олимпийских игр, опыты с двумя хорами в соборе Сан Марко в Венеции. Но это были опыты пассивного использования пространства. Сейчас же мы имеем неограниченные возможности управления им и создание его новых модусов.

В процессе освоения свойств пространства была исследованы и его звукопреобразующие свойства без чего сейчас невозможно представить современную музыку.

ТРЕТИЙ ПЕРИОД в развитие современной Технологии Электронной музыки пришeл с широким внедрением КОМПЬЮТОРОВ как в само творчество, так и в управление процессами синтеза, исполнения и сегодня уже невозможно представить себе это направление без компьютера.

Три направления наметились в программном обеспечении: исполнительские программы - различного рода секвенцеры, среди которых наиболее совершенны (Emagic Logic, Performer, Cubase), программы направленные на синтез (Metasynth, Tool Belt, C-Sound) и эвристические программы (Мах, Audio Sculpture, "М"). Сейчас стало совершенно очевидно, что полономасштабный, полноценный адитивный синтез возможен только с помощью компьютера вопрос лишь в необходимом быстродействии и объeма памяти. По-видмому это самая перспективная методика, позволяющая полностью разрешить все проблемы, связанные с синтезом звука.

Самой молодой и захватывающей ветвью компьютерного искусства стали ФРАКТАЛЫ. Наиболее ярким представителем фрактальных структур являются множества Жулиа и множества Мандельброта. Фракталы это самоорганизующиеся структуры, наиболее приближeнные к естественным природным формам. Фрактал есть самоподобие, или единство в многообразии. Самоподобие фракталов проявляется как в классическом линейном смысле -часть есть уменьшенная копия целого, так и в нелинейном смысле -часть есть деформированная "похожая" копия целого. Самоподобие есть не что иное, как разновидность принципа пропорции или динамической симметрии. Ещe в тринадцатом веке Бонавентура в "Путеводителе ума к Богу" утверждал, что "красоты и наслажденья нет без пропорциональности".

Фрактал есть красота в простоте. Всe бесконечное богатство Фрактальных множеств организуется одним простейшим алгоритмом:

(Zn+1=Z2/n + C) и при каждом новом увеличении, фрактал открывает новые картины. Истинная красота не имеет своей последней черты, как не имеет точных границ фрактальное множества.

ТРИ ОСНОВНЫХ ТЕНДЕНЦИИ я усматриваю в современной технологической эволюции:

Создание всe более совершенных систем управления, приближающихся и даже превосходящим по возможностям "артикуляцию" акустических инструментов.

Всe более глубокое и полное проникновение в микрокосмос ЗВУКА, совершенствование и упрощение его синтеза. Освоение и алгоритмизация ПРОСТРАНСТВА, создание программ, позволяющим сделать его полностью подвластным музыканту. Современный музыкальный язык включает в себя понятие ПРОСТРАНСТВА, как неотъемлемую часть звуковременного континиума реальное и гибкое управление которым стало возможным совсем недавно. Являясь теперь частью некого "супер-языка", пространство в то же самое время это также и та среда где существует звук. (Пример замыкания "обратной связи") Отсюда предположение: ПРОСТРАНСТВО - это основной и универсальный источник воздействия как на все элементы музыки так и на слушателя. Ещe одна, стоящее отдельно и относящееся болtе к социологии тенденция проявляется в современной технологической эволюции (скорее революции) это компьютеризация творчества в том числе и композиторского.

Эти программы позволяют лицам не имеющих никакого музыкального образования, но обладающими творческим потенциалом, фантазией и воображением "войти" в элитарный мир профессиональных музыкантов. Особенно заметно это проявилось в электроакустической музыке (несколько ранее это явление захлестнуло поп музыку) где программисты и инженеры от электроники успешно, работают на музыкальном поприще яркий и самый первый пример тому (правда, в докомпьютерную эпоху) - Пьер Шеффер. Компьютеризирующие творчество программы, конечно будут всe боле и более совершенствоваться (не без явной пользы для профессионалов, так как они будут освобождаются от рутинной работы) и в конечном счeте может случиться так, что последний естественный бастион Музыки, как элитарного искусства падeт. Надеюсь, что такой поворот дела подстегнeт профессиональных КОМПОЗИТОРОВ выходить на новые рубежи, достигать иных высот, которые в данный период времени не будут поддаваться формализации. Возможно мы приближаемся к созданию некого универсального языка в искусстве вообще.

Добавлю к сказанному - современные технологии предоставляют композитору совершенно безграничные возможности, позволяющие реализовать любые замыслы и создать принципиально новую музыку, связанную, по-видимому, с аудио-визуальным действом. Для этого нужно всего три вещи: Авторская Воля, Специально оснащeнные залы с соответствующей технологией и мощные спонсоры, способные профинансировать такой проект. Принципиально новая музыка потребует больших затрат.

В данный момент в электроакустической музыке Научно-творческий эксперимент как мне представляется превалирует над творческими задачами.

Без новой технологии не может быть новой музыки, но крен только в эксперимент не лучший способ развития направления. Вспомним начальную ИСТОРИЮ Эл. М. Как мне представляется, в этот период была некая гармония в художественном и экспериментальном смысле. Правильнее было бы сказать, что художественные задачи решались параллельно с экспериментом. Вспомним безусловные шедевры созданные в те времена - "Электронную поэму" Эдгара Варэза, "Песни юношей" К. Штокхаузена, "Визаж" Лучиано Берио и этот список можно продолжить.

Видимо сейчас, на пороге нового тысячелетия мы всe ещe не вышли на столбовую дорогу полного освоения всей той мощью, которую нам предоставил технический прогресс и всe ещe находимся в стадии непосредственного удивления и потрясения перед открывающимися перспективами нового мира. Сейчас, я думаю всего лишь заложены основы для нового могучего искусства 21 века.

Эд

New Age - к эстетике нового мирa

2olega — Wed, 05 Nov 2008 19:35:53 GMT

Перед тем, как изложить свои соображения о музыке new age, хочу заметить, что сии краткие и разрозненные записи не претендуют на особенную глубину и тем более на некую истину, они всего лишь показывают видение замечательной музыки new age автором этих строк и выражают его личную точку зрения.

Итак, начнем. "И с чего же это он начнет?" - может спросить недоверчивый читатель. И здесь я вам сообщу нечто, что вы вряд ли ожидаете услышать. А дело все в том, что, в общем-то, само понятие new age, сама эта музыка - это большая и очень красивая мистификация! Я отнюдь не хочу сказать, что музыки, характеризуемой словами "new age", не существует. Под new age обычно понимается иногда сладковатая, иногда не очень мелодичная расслабляющая музыка эдакого "заставочного" назначения (так называемое малострессовое искусство). Под нее хорошо расслабиться и помечтать - в общем, релаксировать. Тем более, что часто фоном к этой музыке служат различные природные звуки, например, успокаивающий шум волн или нечто в этом роде. Так вот, есть исполнители, играющие именно такую (может, и с небольшими оговорками) музыку - назовем это каноническим new age. Для примера назову таких исполнителей, как Карунеш (Karunesh) или Крис Митчел (Chris Mitchel). И пусть тон, в коем написаны предыдущие строки, не вводит вас в заблуждение: это действительно яркие, по-настоящему интересные музыканты. Просто наряду с прекраснейшими образцами канонического, традиционного new age существует огромная масса дешевых подделок. И часто их выдают за new age, и можно видеть многочисленные пиратские копии такой музыки. Сознательно, чтобы не обидеть вкусы читателей, не буду называть здесь какие-то конкретные имена, упомяну лишь многочисленные серии типа "Relaxation Music With Natural Sounds".

Но ладно, это все была присказка. Возникает законный вопрос: "В чем же собственно мистификация?" И здесь мы подходим к самому интересному. Дело все в том, что музыка new age настолько широка и многообразна, она включает в себя так много из других стилей, она настолько всеобъемлюща, что ее как бы и вовсе не существует. Или это больше, чем просто некий музыкальный стиль или даже направление. И последнее утверждение, на мой взгляд, самое верное! Эта музыка говорит со всеми на одном универсальном общечеловеческом языке. Она размывает стили, она порой совершенно неожиданна и необычна. Она использует как традиционные, так и нетрадиционные формы выражения. Кстати, new age берет очень многое из музыки самых разнообразных народов этой планеты, оказавшейся вдруг такой маленькой и хрупкой! В общем, я бы определил new age как стремление людей в музыке выразить эстетику нового мира, свободную от культурных барьеров и стереотипов, но в то же время музыку очень индивидуальную, обогащенную самими разными стилевыми и культурными традициями. И, по большому счету, new age - это музыка людей ищущих, это музыка не только настоящего, но и будущего! Она оказывает огромное влияние на многие стили и сейчас. Кстати, альбомы, издаваемые на известной new age студии "New Earth Records", выходят под высоким заголовком "Music For People On The Path" ("Музыка для людей на Пути").

Но теперь немного истории. Предтечами new age можно считать таких разных музыкантов, как Брайан Ино (Brian Eno) с одной стороны или Деутер (Deuter) с другой. И если первый достаточно широко известен, то о втором стоит рассказать чуть подробнее. А начиналось все (простите за каламбур) с начала далеких от нас 70-х годов. Именно тогда индийский мастер Ошо или Бхагван Шри Раджниш основал в городе Пуна свой ашрам, куда съехались саньясины (читай: ученики) со всего мира. И среди этих людей было очень много прекраснейших музыкантов. Деутер - один из них. Он известен не только своими обычными альбомами, но и весьма специфическими работами, представляющими собой музыкальное сопровождение к различным "ошевским" медитациям. Вообще, в некоторых источниках так прямо и пишется, что именно там, в Индии, в начале-середине 70-х и появилась музыка, называемая new age. Не буду подтверждать или опровергать это утверждение, скажу лишь, что там в Индии (в разные годы) была большая компания таких прекраснейших музыкантов, как Карунеш, Анугама (Anugama), Прабодхи (Prabodhi), Камал (Kamal), Самбодхи Прем (Sambodhi Prem), Луна (Luna), Сангит Ом (Sangit Om), Прем Джошуа (Prem Joshua), Харипрасад Чаурасия (Hariprasad Chaurasia), Гови (Govi) и многие другие. В настоящее время они живут в разных местах, пишутся на разных студиях, но и сейчас активно взаимодействуют и творят вместе. Так в записи альбомов Гови непременно участвуют Анугама или Карунеш (к примеру, "Cuchama" или "Passion & Grace"). На альбомах Карунеша часто обнаруживаешь тех же Гови, Анугаму или Деутера (например, "Secrets Of Life"). И так далее. В любом случае, компания "ошевских" музыкантов, наверно, одна из самых ярких и сильных или самая яркая и сильная в музыке new age вообще. Здесь расскажу вам один забавный случай. Однажды встретился я со своим знакомым, а мне он грустно так говорит, что купил, не прослушав, альбом Карунеша (он знал, что этот музыкант не может играть неинтересную музыку) и разочаровался. Я спросил его, что же это за альбом. И оказалось, что диск называется "Heart Chakra Meditation". А все дело в том, что это - музыкальное сопровождение к одной из медитаций Ошо, поэтому просто так его слушать весьма не просто. Но ведь для этого данный диск и не предназначен! Под него надо делать определенные вещи. Так что это я к тому рассказывал, что, покупая диск с new age музыкой, будьте внимательны: он может быть предназначен для вполне конкретных вещей.

Но это было отступление. Вернемся к рассказу о музыке new age. Большое влияние на развитие этой музыки оказала американская студия "Windham Hill Records". Появилась она в далеком 1975 году, когда друзья гитариста Уильяма Аккермана (William Ackerman), спокойно занимавшегося в то время посредническим бизнесом, уговорили сделать для них запись. Друзьям очень нравилась его игра. И вот они (друзей, правда, было не много не мало - 60 человек), скинувшись по 5 долларов, собрали необходимую сумму для того, чтобы Уильям мог сделать запись. Однако оказалось, что минимальный тираж альбома составляет 500 экземпляров. Так что после того, как каждый друг получил заветный диск, у Уильяма Аккермана и его верной подруги Энн Робинсон осталось аж 440 экземпляров. И с ними надо было что-то делать! Диски были разосланы на всякие радиостанции, и оказалось, что музыка Аккермана интересна не только его друзьям, но многочисленнейшим слушателям по всей Америке. Так и родилась студия "Windham Hill Records". Ее же название "Ветреный холм" - это имя маленького городка в штате Вермонт, запомнившееся Уильяму с детства своей удивительной красотой. Вначале отцы-основатели фирмы сами клеили конверты для пластинок и рассылали их на ближайшие радиостанции. Прошло не так много времени, и вот уже годовой оборот студии стал составлять десятки миллионов долларов, а ее диски нашли свое достойное место в коллекциях сотен тысяч меломанов не только в Америке, но и по всему миру. "Windham Hill Records" открыла слушателям многих замечательных музыкантов: Уильям Аккерман, Джордж Уинстон (George Winston), Марк Айшем (Mark Isham), Ойстен Сивэг (Oystein Sevag), группу "Nightnoise" и многих других. Фирма превратилась в то, что называется громким словом big label и впоследствии была скуплена монстром "BMG". И здесь важно сказать, что у многих студий, издающих музыку new age (в том числе и у вышеупомянутой "Windham Hill Records"), своя особая эстетика оформления дисков. Альбомы тех же "Real Music" или "Oreade Music" - это действительно не только средство доставки музыки слушателям, но и настоящие произведения искусства. Поэтому появившиеся в последнее время многочисленные пиратские подделки часто довольно сомнительного качества с их довольно убогим оформлением скорее могут вызвать отвращение и превратное мнение об этой музыке. New age - штучный товар, и качество звучания диска здесь как нигде важно! Она содержит много мельчайших оттенков, и не услышав их, нельзя судить о new age.

Не буду больше мучить вас историей развития new age. Скажу лишь вкратце, что, к примеру, в Англии пионером этой музыки в начале 80-х стал Майк Роуленд (Mike Rowland). Музыка этого пианиста разошлась огромными тиражами по всему миру. И здесь еще один важный момент. Часто, слыша new age, некоторые думают: "Ха! Это ведь так все просто". Действительно, порой (хотя отнюдь и не всегда) эта музыка кажется простой и незамысловатой, в ней нет джазовой усложненности или меняющегося ритма, или каких-то неожиданных оборотов, но почему-то никто не может создать такую музыку, как тот же Mike Rowland или, к примеру, "Sky". Так что простота - это не значит примитивизм, это вовсе не обязательно будет неинтересным. Порой, при кажущейся простоте музыки, она может быть очень внутренне насыщенна, глубока и интересна. Да и сейчас есть столько музыкантов, исполняющих действительно сложную, крайне насыщенную музыку! Но об этом чуть позже.

Итак, хватит пока истории. А что же new age сейчас: что он представляет, куда развивается? И здесь надо сказать, что эта музыка в настоящее время развивается стремительно, можно даже сказать, бурно. Она вовлекает все новые стили, активно перемешивает их, создавая все новые формы музыкального самовыражения. Порой удивляешься, когда старые, заслуженные рокеры начинают играть совершенно для себя несвойственную музыку. За примерами далеко ходить не надо, вспомним хотя бы таких музыкантов, как Рик Уэйкман (Rick Wakeman) или Йон Андерсон (Jon Anderson).

В последнее время многие исполнители очень активно развивают жанр world music, усложняют свою музыку различными эффектами, природными звуками, активно используют последние достижения музыкальной технологии. И здесь, рассказывая о современной, сложной и насыщенной new age музыке, я открою вам один секрет. В настоящее время появилась новая разновидность new age музыки, которую я называю термином visual music. Что же это такое? Под visual music я понимаю ту музыку, что активно способствует визуализации, то есть появления у слушателя различных картинок. Но ведь под любую музыку создаются картинки, можете возразить мне вы. И в общем-то вы правы. Но именно visual music служит сопровождением некого видеоряда, некоего фильма, как реального, так и воображаемого, возникающего у самого слушателя. Она внутренне динамична или, если хотите, кинематографична. Как наиболее ярких представителей такой музыки я бы назвал дуэт "Zeus Faber", Николаса Ганна (Nicholas Gunn), Марса Лазара (Mars Lasar) и Ойстена Сивэга. И именно у visual music, на мой взгляд, хорошее будущее, именно она - это то, что будет в дальнейшем наиболее активно развиваться.

Теперь чуть-чуть о компаниях, издающих в настоящее время музыку new age. Собственно, мы не ставим целью рекламу данных компаний, поэтому я не буду даже и их все перечислять. Скажу лишь, что при всем многообразии музыки new age стоящих фирм, приносящих что-то новое, свежее, издающих действительно высококачественную музыку (хочется написать слова new age с большой буквы), не так уж и много. Если быть честным - совсем немного. Хотя иногда случаются и очень приятные исключения. Порой берешь диск, изданный какой-нибудь маленькой, никому не известной фирмой, и поражаешься, насколько интересно, свежо и неожиданно он звучит. И при всем многообразии исполнителей, многие из них знают друг друга, активно творчески взаимодействуют (как уже рассказывалось выше). Так что круг new age музыкантов и широк, и одновременно узок. Здесь очень хорошо убеждаешься в верности известной поговорки: мир тесен. Действительно, так и есть!

Так что можно заключить, что развитие new age (как и музыки вообще) ведет к дальнейшему размыванию стилей (хотя что-то может и сохраниться, и при этом мирно существовать, правда, думаю, на периферии), к образованию общемировой, общечеловеческой музыки. В общем-то, музыка вышла из одного источника, к нему она и возвращается, но уже в новом качестве. А насчет размывания стилей, попробуйте "вписать" куда-то, например, современного Кристофера Франке (Christopher Franke) или Дэвида Аркенстоуна (David Arkenstone). А музыка Феликса Джея (Felix Jay) - это что: new age, jazz, ambient или, может, world music? Попробуйте однозначно отнести этих исполнителей к какому-нибудь стилю. Вряд ли вы сумеете!

Осталось лишь написать что-нибудь в заключение. И здесь мое резюме будет коротким: если вы, прочитав эту статью, поняли, что new age - это здорово, если вам захотелось послушать эту музыку, узнать, что же это такое, то моя цель достигнута.

В коротких разрозненных заметках совершенно невозможно охватить все многообразие музыки new age. Она еще ждет своих летописцев и исследователей. Если вас заинтересовали прочитанные соображения о new age, эти рассказы будут обязательно продолжены. Кстати, было бы очень полезно узнать ваше отношение к сказанному выше, ваше мнение, о ком бы из исполнителей new age вы хотели бы прочитать в нашем журнале. Мы же обязательно продолжим наши рассказы об этой музыке, о наиболее ярких ее представителях. Так что ждите. Да и мне есть еще что вам рассказать!

нью эйдж

2olega — Fri, 24 Oct 2008 19:24:15 GMT

Наверное, человечество еще никогда не было так далеко от единства с природой, которую человек постоянно "покоряет" и "подгоняет" под себя.

Музыка Солнца - Нью Эйдж - New Age.

Наверное, человечество еще никогда не было так далеко от единства с природой, которую человек постоянно "покоряет" и "подгоняет" под себя.
Мы, как белки в колесе, крутимся день за днем, месяц за месяцем, год за годом, откладывая "на завтра" свой внутренний мир, свою душу. И для многих как раз музыка является той отдушиной, которая позволяет обрести себя, убежать от суеты и обыденности в мир ярких красок и чувств. Кто-то находит себя в рок-музыке, кому-то ближе джаз или классика, или то и другое вместе, в зависимости от стиля жизни, внутреннего состояния и, если хотите, философии.
Безусловно, музыка - не панацея от всех бед, она может лишь усиливать или уменьшать наши эмоции и, если нет внутренней искры на конкретную музыку, созвучия и интереса не получается, и мы ищем что-то другое. Мне трудно представить водителя, мчащегося со скоростью 100 км/ч и слушающего ноктюрны Шопена. Каждой музыке свое место и время.
В огромном океане направлении, стилей, на мой взгляд, есть особая ячейка, которая наиболее близка к выражению гармонии, отражению самых сокровенных истин и чувств, и это музыка нью эйдж (new age).
Музыка new age - это направление, сформировавшееся в начале 70-х годов. В переводе с английского, new age означает Новый Век, Новая Эпоха. В самом начале она рассматривалась как одно из ответвлений альтернативной музыки созданное в противовес культурам, которые пропагандировали своими текстами насилие, жестокость, наркотики…
Тогда new age распространялся в самых разнообразных местах рядом с хрусталем и конфетами в овощных, аптеках, вместе с философской и религиозной литературой, и предназначался на тот момент в основном для духовных практик и техник, а также для психотерапии. Позже, с развитием электронной музыки и технических возможностей new age стал более разнообразнее и перестал отождествляться только с музыкой для медитации и релаксации.
Сегодня понятие этой музыки настолько широко и противоречиво, что вызывает достаточно много разночтений и оговорок, отчасти, наверное , потому, что элеметны new age при желании можно найти у многих музыкантов, тем более, если их стиль не укладывается в уже существующие рамки, и с легкой руки какого-нибудь диджея мы читаем или слышим следующее: "Дип Форест" (Deep Forest) - это музыка new age. Но при всем моем уважении к творчеству этой группы, даже если в нем и есть электронное звучание, и присутствуют народные мотивы и звуки природы - это, скорее, поп-муэыка.
Или, анализируя альбом Novus Magnificent, американского композитора Констанс Демби (Constance Demby), который можно одинакого оценить как электронную, так и как музыку new age. О категории new age говорит и сам музыкант, хотя почти во всех каталогах и справочниках вы найдете ссылку на электронную музыку. Или самое распространенное заблуждение на примере широко известного Ванжелиса (Vangelis). Прослушав его альбом Oceanic, который написан в классическом духе new age, все остальные его работы автоматически приравнивать к этому же стилю будет ошибочно. Так что же скрывается под названием new age?

New Age - это общее название, которое объединяет множество музыкальных категорий и стилей. Это сплав духовной, электронной, этнической, классической, инструментальной, симфонической музыки со звуками природы в самых разных пропорциях и долях. В этом списке могут быть и другие направления, например джаз, в результате чего и получился new age soft jazz Джонатан Кэйн, Макс Фольмер (Jonathan Cain, Max Folmer), но незыблемым остается лишь духовная часть, что делает музыку new age одновременно консервативной и постоянно развивающейся, которая может быть очень легкой и поверхностной - Карунеш (Karunesh album Colours of Life), и серьезной, глубину которой не всякий меломан осилит - Девид Парсонс (D. Parsons album Dorje Ling).
Под классическим new age понимается пространственный синтезатор, звуки природы и медитативная "сладкая" мелодия. Современному new age присущи ритм, "созерцательность в действии", многоинструментальные вариации, которые по своему качеству могут удовлетворить самого искушенного слушателя. Это синтез древних традиций и современности, взгляд в далекое прошлое и будущее.
Эта музыка шла с двух концов света: из Америки - смесь электроники и аккустических инструментов, сочиненная и сыгранная такими людьми, как Вильям Аура (William Aura), Марс Лазар (Mars Lasar), Джим Брикман (Jim Brickman), Дэвид Ланз (David Lanz),и выпускаемая такими фирмами, как WINDAM HILL, Real music, HIGHER OCTAVE, NARADA. А навстречу из Германии ранних семидесятых, где и зародилась синтезаторная и в основном электронно смонтированная музыка, распространявшаяся по миру благодаря группе TANGERINE DREAM, и такими солистами, как Клаус Шульц (Klaus Schulze) и Кристофер Франке (Christopher Franke).
Музыкальные стили и течения, сливаясь воедино и поглощая все самое, пожалуй, прогрессивное и одновременно традиционное, объединяя душу и космос, звук и тишину, образовали водоворот new age, музыку, позволяющую установить прямую связь между композитором и слушателем, потому что автор является в то же время и исполнителем, и в большинстве случаев играет соло. Каждый может создать гармонию внутри себя и поделиться этим с другими через музыку.
Огромный вклад в электронную и new age музыку внес своими экспериментами Б .Ино (B. Eno). Еще в самых ранних его альбомах можно узнать элементы new age музыки, а его альбом Neroli до сих пор используется в роддомах разных стран для помощи при родах.
Сейчас в руках известных и неизвестных музыкантов синтезаторы и электроника все больше завоевывают себе место даже в таких музыкальных стилях, которые раньше не считались частью электронной музыки. Многие группы (SOFTWARE, G.E.N.E., AEOLIAH) доказывают, что для коммерческого успеха совершенно необязательно отказываться от композиторского и исполнительского таланта. Главное, наверное, в том, чтобы в музыкальном произведении была искра-момент, доносящий до слушателя те молниеносные импульсы удовольствия, которые пронизывают с головы до ног, те сенсационные по своей красоте и умиротворенности звуки, обретающие уникальную форму и проникающие в нас.
Одним из представителей классического new age является группа музыкантов из центра Ошо, что находится в Индии, в Пуне под руководством одного из родоначальников этого стиля - Дойтер (Deuter). Эти музыканты достаточно хорошо известны в среде любителей new age - Карунеш, Камаль, Луна, Анугама, Прабордхи (Karunesh, Kamal, Luna, Anugama, Prabodhi…), и интересно заметить, что ни один из этих исполнитнлнй не выходит без соавторства музыкантов из этой же компании. Все музыканты европейцы, и свой процесс самораскрытия и духовного поиска выражают через музыку. И если они основываются на традициях Индии, то всемирно известный Китаро (Kitaro) берет вдохновение в культуре Японии, Эния (Enya) в кельтских традициях, Николас Ганн (Nicolas Gunn) - индейских. Некоторые музыканты - Терри Олдфилд (Terry Oldfield) обращаются к христианству, но в целом new age нейтрален, и основой многих произведений являются картины природы и космос.
Музыка, и в особенности new age, - это не только результат умственного процесса, но и выражение эмоций. Она интуитивна и спонтанна. Слушать музыку по-настоящему - это раскрывать ее для себя и чувствовать то, что чувствовал сам музыкант.

Повсеместное использование мелодий в духе new age в многочисленных заставках на радио и телевидении, в том числе и на российских каналах, постоянное и долговременное присутствие представителе new age в хит-парадах разных стран наравне с другими направлениями и стилями, многомиллионные тиражи отдельных музыкантов, которым могут позавидовать многие поп и рок звезды, на мой взгляд все же не отражают общей картины и духа new age. А это прежде всего личная, если хотите, интимная музыка, которая не должна нравиться всем, иначе она утрачивает нечто сокровенное, если ее ставить на коммерческие рельсы.
New аge - это музыка пробуждения, гармонии, добра, радости и красоты, последний штрих в которой ставит сам слушатель.

Музыкальное явление, получившее общее название NEW AGE, чрезвычайно многогранно и обширно в своих границах. В настоящее время существует определенная путаница в том, к какому стилю отнести тех или иных исполнителей, поскольку многие имена занесены в самые разные категории одновременно. Но в этом нет ничего странного, главное - разобраться в сути музыки стиля NEW AGE. Существует множество определений этого явления. Одно из них, объединяющее, пожалуй все это разнообразие, сводится к простому термину - Contemporary Instrumental ( Современная инструментальная музыка ). Название NEW AGE ( Новый Век ), как более короткое и броское, было, по всей видимости, выдвинуто не столько музыкантами, сколько теми, кто способствовал записи и распространению этой музыки в период начала ее коммерческого успеха. Несмотря на то, что сам термин стал известен широкой аудитории лишь в 80-е годы, идея такой музыки зародилась намного раньше. Я не побоюсь высказать предположение, что то специфическое ощущение медитативности, утонченности и некоторой отстраненности от реальной жизни, которое объединяет всех представителей данного течения, возникло еще в конце 19-го - начале 20-го века. Нечто новое появилось тогда в творчестве Габриэля Форе, Эрика Сати, Клода Дебюсси, Мориса Равеля. Тогда же в академической музыке наметилось заметное влияние восточных культур. Это можно видеть в произведениях таких русских композиторов как А. Бородин, С. Рахманинов, Н. Римский-Корсаков.
Импрессионистская тенденция с восточным оттенком получила совершенно другое воплощение через несколько десятков лет, когда в обществе назрела необходимость в медитативной музыке, когда тяга молодежи к древним духовным знаниям Востока стала почти модой, когда появились новые технические средства, электронные инструменты и секвенсоры, в корне изменившие сам способ ее исполнения. Истоки музыки NEW AGE можно найти в самых разных областях. Это изысканные виды импровизационного модального джаза, возникшие независимо от развития хард-бопа, это тихая и неагрессивная рок-музыка направления Art-rock, акустическая камерная академическая музыка с минималистским уклоном и, конечно, электронная техно-музыка. Этническая музыка разных народов и эпох сознательно не упоминается в их числе, хотя она и сыграла огромную роль в формировании всей эстетики стиля NEW AGE. Она стала частью отдельного направления, получившего название WORLD MUSIC.
Зачатки музыки NEW AGE как массовой культуры возникли во времена хиппи, в середине 60-х годов. Первой ласточкой считают запись американского джазового кларнетиста Тони Скотта ( Tony Scott ), который в 1964 году выпустил диск "Music for Zen Meditation" c использованием японских народных инструментов и совершенно нового подхода к джазу. Тогда он показался всем белой вороной и не был оценен по достоинству. Во второй половине 60-х в молодежной среде стало заметным стремление к уходу от всего агрессивного, активного, реально-практического. Это был своеобразный вызов нового поколения, брошенный образу жизни своих родителей, их прагматизму и бездуховности. Характерно, что многие юноши и девушки из благополучных и даже очень богатых семей покидали свои дома, объединяясь в свои "семьи", живя как "дети-цветы". Вторая половина 60-х и первая половина 70-х были временем небывалого увлечения молодежи различными видами религии и духовными учениями. Прежде всего, возрос интерес к христианству, что принесло огромную популярность рок-операм "Jesus Christ Superstar" и "Godspell". Интерес к индийскому древнему знанию - Веданте - начал зарождаться еще в самом начале 60-х, когда известный Учитель йоги - Махариши - приехал в Англию, где с ним познакомились участники группы "Beatles". Затем последовала их поездка в Индию, в один из ашрамов. В результате один из членов "Beatles" - Джордж Харрисон серьезно увлекся не только игрой на ситаре, но и индийской философией, что оказало заметное влияние и на многих поклонников группы. Далее последовал приезд в Европу и США выдающегося индийского музыканта Рави Шанкара со своим ансамблем, его сотрудничество со многими известными исполнителями, такими как Иегуди Менухин, Зубин Мета, Андре Превин. Это способствовало расширению массового интереса молодежи к древней индийской да и вообще к восточной культуре, к Веданте, к учению йогов, буддизму и дзэн-буддизму, суфизму, даосизму. Поселившийся в США индийский йог и Учитель Шри Чинмой оказал влияние на творчество выдающегося гитариста Джона Маклафлина, посвятив его в индуизм и присвоив ему второе имя - Махавишну. Ансамбли "Mahavishnu Orchestra" и "Shakti" ( состоявший из Маклафлина и индусов - исполнителей на древних народных инструментах ) оказали тогда ошеломляющее воздействие на молодое поколение слушателей. Тогда же возник и ансамбль "Oregon", в котором изысканная музыка, напоминающая европейское Средневековье, была окрашена в индийские тона, поскольку один из участников - Колин Уолкотт (Colin Walkott) играл там на самостоятельно освоенных табла и ситаре.
NEW AGE - в большинстве случаев музыка не импровизационная, а скорее выверенная заранее, поскольку она призвана создавать некие состояния души, позволяющие погружаться в собственное подсознание. Лишь немногие импровизаторы способны играть, не нарушая законов медитативности. Тем не менее, нельзя не отметить вклада в развитие музыки такого рода со стороны целого ряда истинных импровизаторов и джазовых новаторов. В этой связи вспоминаются некоторые записи Билла Эванса ( Bill Evans ), Пола Хорна ( Paul Horn ) или Пола Уинтера ( Paul Winter ).
Как известно, движение хиппи сошло на-нет с появлением новых поколений молодежи, новых идеалов, новых условий жизни во второй половине 70-х. Рок-культура сменилась беззаботной и примитивной музыкой DISCO, агрессивной музыкой панков и хэви-металистов, экзотическим REGGAE, хип-хопом и Новой Волной ( New Wave). Но спокойная и благородная музыка, возникшая до этого, не исчезла. Она продолжала независимо развиваться в субкультуре и вышла на поверхность в 80-е годы как особый вид молодежной культуры, правда уже элитарной, под названием NEW AGE. Элитарность ее состояла в том, что ее основными и типичными потребителями на какое-то время стали представители новой социальной прослойки, возникшей в Соединенных Штатах Америки, и получившей название "яппи" ( созвучной с "хиппи", но совершенно иной по своей идеологии). В расшифровке это слово означает "молодые городские профессионалы", YUPpy (Young Urban Professionals). К ним относились наиболее талантливые и удачливые выпускники ведущих университетов, специалисты по застройке новых районов городов, адвокаты, юристы, предприниматели. Какое-то время они действительно считались элитой и были законодателями моды в среде интеллектуальной и преуспевающей американской молодежи. Их музыкальные пристрастия, продиктованные размеренным и крайне рациональным образом жизни, исключали все примитивное, агрессивное, но и чересчур сложное. Поэтому и получила поддержку соответствующая музыка, которая не раздражала бы довольно широкий круг молодых бизнесменов, не желавших слушать традиционный джаз, рок или фанк, или опускаться до дискотечного времяпрепровождения. Но, уже к концу 80-х в студенческой среде возникло отрицательное отношение к ЯППИ, как к людям холодным и чересчур расчетливым. Да и сами яппи первой волны, повзрослев, превратились в карьеристов, в сильных мира сего, со всеми вытекающими отсюда последствиями.
Так что, к началу 90-х коммерческий интерес к музыке NEW AGE начал спадать. Но она, перестав быть модной, тем не менее, продолжает существовать и развиваться, имея постоянный круг своих слушателей. Как это ни парадоксально, но некая часть этой спокойной и благородной музыки нашла свое прикладное применение в ряде сфер практической жизни. Ее проигрывают в аэропортах, в лифтах громадных офисных зданий, используют в медицине, везде, где необходимо создание душевного равновесия. NEW AGE нельзя считать музыкой упрощенной, хотя часто встречаются образцы, где нет сложных гармоний или изощренных импровизаций. Ее сложность в глубине переживаний, доступной отнюдь не каждому. Нередко прослушивание такой музыки помогает человеку освободиться от стрессов каждодневной жизни большого города, очиститься, расслабиться и сберечь свою психику от срыва.

Современные критики подразделяют NEW AGE на ряд самостоятельных направлений, среди которых следующие:

Solo Instrumental (Инструментальные сольные проекты)
Adult Alternative (Альтернативная музыка старшего поколения)
Progressive Electronic & Electro-Acoustic
Ambient (Музыка окружающей среды)
Neo-classical (Новая классика)
Ethnic Fusion &Techno Tribal (Этническая музыка)
Chamber Jazz
Minimalism
Space (Космическая музыка)
Health (Исцеляющая музыка)